Ressort: Dialog / funk tank

Eva Zemanek: „Kabarett muss für alle leistbar bleiben“

funk tank: Wie bist du Intendantin der Ybbsiade geworden?

Eva Zemanek: Ich bin seit 2012 bei der Ybbsiade dabei. Damals hat mich Alexander Goebel als Unterstützung geholt. Das war im Herbst, und wir haben dann sehr schnell ein Programm für den folgenden April auf die Beine gestellt. Ab 2013 war ich dann voll im Einsatz. Nach zwei Jahren folgte auf Alexander Goebel Joesi Prokopetz als Intendant und ich habe die intensive Arbeit im Hintergrund weiterhin mit Begeisterung betrieben. 2022 hat Joesis Fünf-Jahres-Vertrag geendet und wurde nicht mehr verlängert. Wir waren dann drei Jahre lang ein Ybbsiade-Team: Bürgermeisterin Ulrike Schachner, Kulturstadtrat Peter Blessky und ich – bis ich im November 2024 im Gemeinderat einstimmig zur Intendantin gewählt wurde.

Warst du froh darüber, oder hättest du dir doch lieber jemanden als Leiter*in gewünscht, hinter den*die du dich stellen kannst?

Ich habe es eigentlich sehr schön gefunden. Natürlich ist es was anderes, wenn du dann wirklich vorne stehst und dich für alles allein verantworten musst. Und zwischendurch war schon der Gedanke da, dass ich mich lieber verstecken würde. Aber ich glaube, das ist so Kleinmädchen-Denken, das uns Frauen immer noch mitgegeben wird. Als Frau zweifelt man eher, ob man der Aufgabe gewachsen ist. Das Thema der Akzeptanz als Frau an der Spitze, noch dazu als Wienerin, habe ich in Ybbs aber nie gespürt. Meine Arbeit ist von Anfang an geschätzt worden. Es war und ist auch mit viel Engagement verbunden. Ich versuche als künstlerische Leiterin, ein Programm zusammenzustellen, das so bunt ist, dass es möglichst viele Menschen abholt.

Nach welchen Kriterien stellst du das Ybbsiade-Programm zusammen?

Es muss eine Mischung aus Headlinern sein, die erfahrungsgemäß nach wenigen Tagen ausverkauft sind. Und aus Newcomern und Programmpunkten, die eher dem Genre Hochkultur zuzuordnen sind, die ich dem Publikum ebenfalls zeigen möchte.

2025 hatten wir zum Beispiel einen Abend mit Adele Neuhauser und Ursula Strauß. Hier war der Ticketverkauf entgegen meiner Erwartung eher zurückhaltend. Vielleicht, weil Shakespeare im Titel vorkam und die Menschen Sorge hatten, dass es zu ernst oder zu kompliziert wird.

Ich kann aber eines garantieren: Alles, was bei der Ybbsiade zu sehen ist, hat höchste Qualität und ist fantastisch. Und wer jetzt noch nicht so bekannt ist, hat vielleicht in ein paar Jahren einen großen Namen. Wir müssen ökonomisch denken: Uns tut jede nicht-verkaufte Karte weh. Deshalb muss die Mischung stimmen. Dort, wo mehr eingenommen wird, muss manchmal ein Loch gestopft werden. Das bedeutet leider auch häufig einen Männer-Überhang im Programm, weil es einfach nicht so viele Frauen in der Kabarettszene gibt.

Musst du den Künstler*innen nachlaufen oder hat die Ybbsiade mittlerweile ein Standing, wo sie sich um einen Auftritt anstellen? Welchen Stellenwert hat so ein Festival für Künstler*innen, die das ganze Jahr auf Tour sind?

Es gibt beides. Die Ybbsiade besteht ja schon sehr lange – heuer ist es die 37. Ausgabe. Uns wird eigentlich immer vermittelt, dass man gerne zu uns kommt. Wir versuchen, alles zu geben, damit sich unsere Stars bei uns wohlfühlen. Nur beim Mondwasser müssten wir passen (lacht). Diesen Wunsch hatten wir aber auch noch nie. Wir möchten auch immer betonen, wie glücklich wir über die Auftritte sind.

Manchen Acts bin ich natürlich schon über Jahre nachgelaufen, zum Beispiel Kaya Yanar. Ihn habe ich mir eingebildet – und nach fünf Jahren ist es mir gelungen, ihn nach Ybbs zu bringen. Danach ist er sogar ein weiteres Mal zu uns gekommen. Ich arbeite gerade akribisch daran, ihn ein drittes Mal zu kriegen, aber unlängst habe ich gelesen, dass er mit dem Spielen aufhören möchte. Tja, dann war er immerhin auch in Ybbs. Bei Dieter Nuhr hat es sogar zwölf Jahre Geduld gebraucht, bis endlich eine Zusage kam und er 2025 bei uns aufgetreten ist. Auch bei Olaf Schubert hat es länger gedauert. Als er dann 2024 bei uns war, hat es ihm so gut gefallen, dass ich gleich den nächsten Termin eintakten durfte.

Und wann kommt er wieder?

Das verrate ich noch nicht. Die Enthüllung des Ybbsiade-Programms findet ja immer feierlich im November statt, davor wird es penibelst unter Verschluss gehalten.

Wen wünschst du dir noch für die Ybbsiade?

Michael Niavarani war noch nie bei uns. Wenn er wüsste, welche Ideen ich schon hatte, um ihn nach Ybbs zu locken. Da hätte er doch hoffentlich Mitleid mit mir. Aber ich fürchte, sein Management hat ihn damit nicht belastet, daher warte ich immer noch. Auch Josef Hader laufe ich seit Ewigkeiten nach, aber vielleicht klappt es ja zum 40. Jubiläum im Jahr 2029.

Gerade in Zeiten, in denen die Menschen Sorgen und Ängste haben, finde ich es wichtig, wenn man sich um einen fairen Preis einen schönen Abend machen kann.

So weit schaust du in die Zukunft?

Ja, man muss doch mindestens zwei Jahre im Voraus alle Entwicklungen und Geschehnisse im Blick haben. Da werden da und dort schon Einzeltermine eingebucht, bis das Puzzle komplett ist.

Tust du dir als Nicht-Künstlerin schwerer oder leichter damit, ein Kabarettfestival zu leiten?

Ich höre oft, dass es gar kein Nachteil ist, als Intendantin nicht auch Künstlerin zu sein. Ich denke, es hat beides Vor- und Nachteile. Ich bin Lebenskünstlerin (lacht). Nein, Spaß beiseite, ich habe eine Marketing- und Eventagentur, somit bin ich auch ein bunter Vogel, der vielleicht doch einen ganz guten Blick für Organisatorisches und Kreatives hat.

Außerdem bin ich seit meiner Kindheit mit der Kabarettszene vertraut. In meiner Maturazeitung hat man mich als „die Kulturmanagerin“ vorgestellt. Das passt also ganz gut, was ich so mache. Und es bereitet mir vor allem riesengroßen Spaß. Stress ist es schon auch – und zwar ein gigantischer –, aber den kann man gut bewältigen, wenn man an der Arbeit Freude hat und auch einen Sinn erkennt.

Was bedeutet die Ybbsiade für Ybbs?

Die Ybbsiade ist eine eigene Jahreszeit in Ybbs. Das hab ich von Anfang an so gehört und das betont auch unsere Bürgermeisterin Uli Schachner immer. Und das nicht nur wegen der enormen Umwegrentabilität. Es ist auch eine besondere Stimmung im April, das Festival färbt auf die ganze Stadt ab. Es kommen auch viele auswärtige Gäste. Unlängst hat mir jemand erzählt, dass er Ybbsiade-Karten um 1.700 Euro gekauft hat, weil er so viele Auftritte sehen möchte. Das spricht doch Bände, oder? Das heißt, unser Festival hat schon einen gewissen Namen. Auch die Künstler*innen selbst lassen es sich nach dem Auftritt noch in Ybbs gutgehen.

Welche Starallüren hast du da bis jetzt erlebt?

Starallüren überhaupt nicht, manches ist einfach nur lustig. Und ja, natürlich: Künstler*innen möchten sich darauf verlassen dürfen, dass alles da ist, was sie brauchen, damit ihr Auftritt reibungslos abläuft. Aber dafür sind wir schon bekannt, dass man sich bei uns verlassen kann und nicht verlassen ist (lacht).

Manches war schon zum Schmunzeln. Zum Beispiel hat ein Künstler seine eigene Dartscheibe samt Teppich mitgebracht, weil er für einen Wettkampf üben musste. Und ein bekannter Austropopper wollte zehn hartgekochte Eier in einer Glasschale – die waren nach seiner Abreise alle noch da. Manchmal gibt es auch Anweisungen wie „Der Künstler isst Gummibärli, aber nur die grünen“ – das war wohl eher ein Test, ob die Anweisungen gelesen werden.

Dann gab es einen Musiker, für den eine Woche vorher vom Management eine genaue Vorgabe gekommen ist, dass wir ihm nicht zu nahe kommen und ihm auch nicht in die Augen schauen dürfen. Und, dass nur ein Foto erlaubt ist und das mit einem Meter Abstand. So etwas Ähnliches hatten wir auch bei einem deutschen Schauspieler – ich möchte keine Namen nennen: Da hat das Management im Vorfeld alles abgeblockt. Jedes Interview wurde uns verwehrt. Und dann saß er in Ybbs super gesprächig und gut gelaunt auf einer Mauer an der Donau und hat zu mir gesagt: „Ich verstehe das nicht, interessiert sich die Presse überhaupt nicht für mich?“

Lustig war auch eine Geschichte mit der Falco-Band, wo ein Musiker in der Jogginghose angereist und in Ybbs draufgekommen ist, dass er den Koffer mit dem Gewand daheim vergessen hatte. In Ybbs gab es damals zwei Modegeschäfte. Im einen hab ich ihm kurz vor der Show noch schnell eine Hose besorgt und im anderen ein Hemd – nur nach Augenmaß und das Ganze mit einer gebrochenen Zehe. Er hat nachher gemeint, das war das bequemste Bühnen-Outfit, das er jemals hatte. Solche Anekdoten sind natürlich wunderschöne Erinnerungen.

Bedeutet die Teuerung eigentlich auch teurere Ybbsiade-Karten?

Wir haben die Kartenpreise heuer um einen Euro angehoben. Die Karten kosten bei uns zwischen 29 und 62 Euro. Kabarett ist vergleichsweise immer noch günstig. Es muss für alle leistbar bleiben.

Gerade in Zeiten, in denen die Menschen Sorgen und Ängste haben, finde ich es wichtig, wenn man sich um einen fairen Preis einen schönen Abend machen kann. Humor brauchen wir, davon bin ich überzeugt. Gemeinsames Erleben auch, daher ist unser Motto der heurigen Ybbsiade: Besser gemeinsam als einsam!

Die 37. Ybbsiade findet vom 9. April bis zum 2. Mai statt. Seit 1989 veranstaltet die Stadtgemeinde Ybbs an der Donau jährlich ein drei- bis vierwöchiges Kabarett- und Kulturfestival. Gespielt wird in der Ybbser Stadthalle.

Heuer dabei sind unter anderem die Kernölamazonen, Gery Seidl, Roland Düringer, Ernst Molden & Das Frauenorchester sowie Peter Filzmaier & Armin Wolf. Außerdem gibt es einen Zusatztermin im November mit dem TV-Hit „Single Bells“ live auf der Bühne.

Ybbsiade – Website

Abdelkarim: Schleichender Rassismus ist gefährlicher als offener

funk tank: Dein neues Programm heißt „Plan Z“. Bezieht sich das auf die Gen Z oder darauf, dass alle anderen Optionen schon ausgeschöpft sind?

Abdelkarim: Warum kleine Pläne, wenn man auch mit großen scheitern kann? Das ist mein Lebensmotto. Plan Z zeigt, dass Scheitern im Leben dazugehört. Aber nach dem Scheitern geht’s weiter. Man macht kurz Pause, aber schaltet dann in den Rocky-Modus. Wenn Plan B scheitert, läuft sich Plan Z erst langsam warm.

Wer ist dein Zielpublikum: Migrant*innen, die sich verstanden und abgeholt fühlen, oder sogenannte autochthone Deutsche, die sich in ihrer positiven Einstellung gegenüber Menschen mit Migrationsgeschichte bestätigt fühlen können?

Ich erzähle seit meiner Kindheit gern lustige Geschichten und freue mich über jede*n, die oder der dabei ist. Völlig schnuppe, ob jemand hellweiß oder dunkelschwarz ist. Hauptsache, das Publikum nimmt sich selbst nicht zu ernst.

In Deutschland hat sich die AfD verdoppelt und Platz zwei erreicht, in Österreich ist die FPÖ sogar klar Erste geworden. In deiner Heimatstadt Duisburg kam der AfD-Kandidat in die Bürgermeister-Stichwahl. Machen dir solche politischen Entwicklungen Angst?

Angst allein wird genauso wenig bringen wie eine zu entspannte „Wir beruhigen uns“-Haltung. Wir sollten diese Entwicklungen nicht größer machen, als sie sind, aber auch nicht kleiner. Viel gefährlicher als der offene, laute Rassismus ist der schleichende Rassismus, den wir in die Mitte der Gesellschaft lassen.

Menschen, die Rassist*innen eine Plattform bieten, tun gerne so, als wären sie die letzten Power Rangers, die sich für Meinungsfreiheit einsetzen. Das ist natürlich völliger Blödsinn. Meinungsfreiheit heißt nicht, dass jede menschenverachtende Position ein Publikum verdient. Rassismus wird nicht harmlos, nur weil er höflich formuliert ist.

Ich meine jetzt nicht Talkshows, die Rassist*innen inhaltlich stellen wollen, sondern Menschen, die freiwillig und stolz mit Rassist*innen rumkumpeln und sich dabei wie die Verteidiger*innen der Freiheit fühlen. Diese Menschen haben das Grundgesetz noch weniger verstanden als die Rassist*innen selbst.

Ein Thema, das sich durch deine Programme zieht, ist der Generationen-Gap: Alte verstehen Junge nicht mehr, Junge finden Alte peinlich. Was können wir Älteren (ich zähle mich mit meinen 44 Jahren dazu) von den Jungen lernen?

Einiges. Ich finde es zum Beispiel immer wieder bemerkenswert, wie junge Menschen es schaffen, Sachen auf den Punkt zu bringen.

Ich habe mal zwei Jugendliche gesehen – etwa 14 Jahre alt –, die auf einer Bank saßen und Papierkrümel in den Mülleimer warfen. Mal trafen sie, mal nicht. Ein älterer Herr fand das nicht in Ordnung und fragte die beiden ernsthaft: „Habt ihr schon mal was von ‚nachhaltig‘ gehört?“ Einer der Jugendlichen antwortete: „Deine Mutter ist nachhaltig.“

War der Satz okay? Nein. Habe ich ihn gefühlt? Ja! Das war einfach eine Kurzversion für: „Werter Herr, gehen Sie bitte weiter.“

Kabarett und Comedy leben von Überhöhung. Aber ist bei den ganzen  Anekdoten zu Ali, Polizist*innen oder U-Bahn-Fahrgästen überhaupt etwas  übertrieben?

Das Allermeiste ist tatsächlich so passiert. Aber hier und da muss ich natürlich dramaturgisch würzen – ganz ohne Hollywood geht es nicht.

Gibt es beim Humor eine rote Linie, die für dich nicht überschritten werden darf?

Ich habe keine allgemein gültige Regel für alle Comedians auf der Welt. Ich versuche auf der Bühne, die Comedy so zu gestalten, dass zum Beispiel die Zuschauer*innen, über die ich Witze mache, am meisten Spaß haben. Natürlich kommt es schon mal vor, dass sich jemand angegriffen fühlt.

Man sollte bei Comedy im Optimalfall nicht zu empfindlich sein. Genauso darf man als Comedian aber nicht zu empfindlich reagieren, wenn es Kritik gibt – vor allem dann nicht, wenn die Kritik nachvollziehbar und berechtigt ist.

Wirst du von Fans auf der Straße angesprochen?

Das kommt ab und an vor. Einige grüßen, ab und zu gibt es Smalltalk – und manchmal werde ich verwechselt.

Vor ein paar Tagen stand ich zum Beispiel beim Edeka an der Kasse. Eine Mitarbeiterin sagte zu mir: „Sie haben hier Hausverbot.“ Ich dachte zuerst, sie habe mich als „den Comedian Abdelkarim“ erkannt und macht einen Scherz. Irgendwann trat ihr Kollege hinzu und sagte: „Sie haben gehört, Sie haben hier Hausverbot. Nehmen Sie die Sachen vom Band und verlassen Sie den Laden!“ Ich antwortete: „Cool, ich muss gar nicht zahlen. Ich darf einfach so die Sachen nehmen und gehen?“ Dann sagte die Mitarbeiterin: „Oh, Entschuldigung, ich glaube, ich verwechsle Sie … ja, das tue ich.“ Na toll, dann musste ich doch noch zahlen.

Du erzählst ja auch viel von Polizeikontrollen. Waren diese Geschichten schon einmal ein Thema bei einer privaten Begegnung mit der Polizei?

In München am Hauptbahnhof hat mich mal ein Polizist in Uniform gefühlt eine halbe Stunde lang gemustert. Ich war mir sicher: Okay, gleich werde ich kontrolliert. Irgendwann kam er schließlich zu mir und sagte: „Ich war mir erst unsicher – kenne ich Sie aus dem TV oder hatten wir beruflich schon mal miteinander zu tun?“

Ich nehme an, mit dem deutschen Pass ist es einfacher für dich geworden. Warum hast du ihn dir eigentlich erst voriges Jahr geholt, obwohl du ja in Bielefeld geboren bist?

Ich habe mir lange gedacht, dass der deutsche Pass nichts an meinem Leben ändern würde. Wie andere mich wahrnehmen oder wie ich sie wahrnehme. Irgendwann habe ich aber eingesehen, dass bei den Wahlen doch jede Stimme zählt. Dann habe ich den deutschen Pass beantragt. Ich bin seitdem nicht deutscher oder marokkanischer als vorher, aber ich darf wählen. Und das Reisen ist viel entspannter.

Menschen, die Rassist*innen eine Plattform bieten, tun gerne so, als wären sie die letzten Power Rangers, die sich für Meinungsfreiheit einsetzen. Das ist natürlich völliger Blödsinn. Meinungsfreiheit heißt nicht, dass jede menschenverachtende Position ein Publikum verdient. Rassismus wird nicht harmlos, nur weil er höflich formuliert ist.

Du hast kurz Islamwissenschaft, Germanistik und Jura studiert. Hilft das bei deiner Comedy, wenn es darum geht, Zusammenhänge zu sehen, Dinge in einen Kontext zu setzen und nicht bloß mit einer Pointe Lacher abzuholen, sondern dem Publikum auch ein bisschen Mehrwert an Wissen mitzugeben?

Das Studium hilft mit Sicherheit hier und da. Ich habe es ja nicht ohne Grund erfolgreich abgebrochen. Ich habe auch schon mit Zuschauer*innen gesprochen, die mir Dinge gesagt haben, die ich vorher nicht wusste.

Ich habe zum Beispiel einmal in Wien einen Zuschauer gefragt, aus welcher Ecke der Stadt er kommt. Er sagte: „20. Bezirk.“ Ich habe dann gefragt: „Was kann ich mir unter dem 20. Bezirk vorstellen?“ Darauf rief ein anderer Zuschauer: „Du würdest dich da wohlfühlen.“ Da muss ich unbedingt mal hin.

Apropos Wien: Bei uns in Österreich spricht man seit Jahrzehnten generell vom Kabarett, da ist die Comedy erst in den vergangenen zwei Jahrzehnten von Deutschland herübergeschwappt. Wie ist das in der deutschen Szene: Gibt es in Deutschland eine klare Trennung zwischen Kabarettist*innen und Comedians? Wo ordnest du dich ein?

Ich habe die Unterscheidung noch nie wichtig gefunden. Hauptsache, ich habe beim Zuschauen Spaß. Und viele machen ja beides. Ich sehe mich als Comedian. Ob ich Comedy oder Kabarett mache, entscheide ich erst nach der Show: Wenn die Zuschauer*innen viel gelacht haben, war es Comedy. Wenn nicht, war es Kabarett zum Nachdenken.

Vor drei Jahren hast du bei „Let’s dance“ mitgemacht. Damals hast du gesagt: „Ich weiß selbst nicht, warum ich da mitmache.“ Weißt du es jetzt im Rückblick?

Ich habe mich fast nicht getraut, weil ich vorher noch nie getanzt hatte. Aber dann habe ich mir gedacht: Ich denke nicht zu viel darüber nach und lasse mich einfach darauf ein. Und es war eine super Entscheidung. Es hat Riesenspaß gemacht, und ganz nebenbei habe ich mit einem Vorurteil aufgeräumt: Man hört ja immer wieder: „Ach, die Südländer, die können sich alle so toll bewegen.“ Seit meiner Teilnahme bei „Let’s Dance“ hört man das nicht mehr so oft.

Abdelkarim (bürgerlich Abdelkarim Zemhoute) ist deutscher Comedian marokkanischer Herkunft, der mit scharfem Humor gesellschaftliche Themen wie Rassismus, Rechtspopulismus und den Generationenkonflikt auf die Bühne bringt.

Am 21. März kommt er mit seinem aktuellen Soloprogramm „Plan Z – jetzt will er’s wissen!“ in den Wiener Stadtsaal. Weitere Termine u. a.: 22. März – St. Pölten, 18. & 19. April – Bonn, 22. Mai – Erfurt, 10. Juni – München.

Abdelkarim – Website

Claudia Rohnefeld: „Mir ist ein Theater in den Schoß gefallen“

funk tank: Wie ist es dazu gekommen, dass Sie das Gloria Theater übernommen haben?

Claudia Rohnefeld: Etwa eineinhalb Monate vor seinem Tod hat mich Gerald Pichowetz gefragt: „Magst du’s haben?“ Wir haben aber danach nie wieder darüber geredet. Als er dann gestorben ist, wollte seine ehemalige Freundin Angelika Zoidl, die auch Direktionsmitglied war, das Haus nicht weiterführen. Sie wurde zwar von der Stadt Wien gefragt, hat aber abgelehnt. Und gleichzeitig gesagt: Wenn sie einen Namen empfehlen dürfte, dann wäre es meiner. Da wusste ich noch gar nichts davon. Ich selbst habe nicht aufgezeigt, sondern mir ist ein Theater in den Schoß gefallen.

Eine große Aufgabe.

Da ich aufgrund meiner Tätigkeit als Schauspielerin, Intendantin und Regisseurin wirklich mein Handwerk schon lang genug beherrsche, weiß ich auch hier, was ich tue: nix anderes als das, was ich seit über dreißig Jahren mache, nämlich Theater. Zu mir sagen ganz viele Kolleginnen und Kollegen: „Du bist aber mutig.“ Da kann ich nur sagen: Nein, überhaupt nicht. Ich weiß ja, was ich tue – und das seit 1994. Ich mach nix, was ich nicht schon einmal gemacht hätte. Seit ich meine Schauspielausbildung begonnen habe, weiß ich, was ich auf der Bühne tun muss.

Gab es eigentlich ein Berufsleben vor der Schauspielausbildung?

Nein. Meine Mutter hat mir erzählt, dass ich schon mit drei Jahren wusste: „Ich möchte Schauspielerin werden.“ Ich hatte nie einen anderen Berufswunsch. Ich habe zwar brav die Matura gemacht, weil man es halt so macht, aber sofort danach bin ich in die Schauspielschule Krauss gegangen. Spätestens als ich in den Achtzigern „Cats“ gesehen hab, war klar: Das ist es. Für mich gibt es nix anderes als die Schauspielerei. Zum Bedauern meiner Eltern, glaube ich.

Und jetzt sind Sie sogar Theaterdirektorin.

Ja, verrückt. Das Gute ist, dass ich an meiner Seite einen Theatermanager habe: meinen Co-Direktor Michael Mittermeier, der alles Kaufmännische macht. Und ich übernehme alles Künstlerische. Somit brauche ich mich nicht ums Geld zu kümmern – ist das nicht schön? (Sie schmunzelt.)

Welches Programm dürfen wir im Gloria Theater künftig erwarten? Wird es neue Akzente geben?

Es wird auf jeden Fall meine Handschrift haben, weil ich auch inszenieren werde. Aber es bleibt ein Komödien- und Boulevard-Haus. Das Gloria Theater ist ja das größte Boulevard-Haus Wiens und das soll es auch bleiben. Gerade der Standort hier im Norden der Stadt ist gut und wichtig dafür.

Das Publikum im Gloria Theater ist doch eher älter. Lässt es sich verjüngen, damit das Haus langfristig eine Zukunft hat?

Mein Anspruch ist, dass sich die Generationen bei uns im Haus überschneiden. Wenn etwas lustig ist, können alle darüber lachen.

Um die Jungen ins Theater zu locken, muss man sie wohl vorher in den sozialen Medien erreichen.

Ja. Wir haben eine eigene Social-Media-Betreuerin. Ich kenne aber auch schon einige Kniffe. Also wenn künftig dort etwas auftaucht, könnte es auch von mir persönlich sein. (Sie schmunzelt wieder.)

Apropos Verjüngung: Das Haus wird gerade runderneuert. Wie groß war der Renovierungsbedarf?

Es ist fast 25 Jahre lang kaum etwas gemacht worden. Bei der jetzigen Übernahme war auch der Vermieter daran interessiert, einige Dinge zu erneuern. Zum Beispiel ist die gesamte Elektrik ausgetauscht worden. Die Sanitärbereiche hat auch der Vermieter neu gemacht. Nach dem Tod von Gerald Pichowetz ist das Gloria Theater leider in eine Insolvenz geschlittert, da kam es dann zu einer Versteigerung. Was wir dabei nicht ersteigern konnten, mussten wir nachkaufen, zum Beispiel das Mobiliar im Zuschauer*innen-Bereich und im Foyer. Die Bestuhlung im Saal ist erhalten geblieben, sie ist Eigentum der Stadt Wien. Wir mussten im Proben- und Bürobereich neue Böden verlegen. Im Foyer haben wir neu ausgemalt. Und es gibt auch eine schöne neue Tapete, auf die ich mich schon sehr freue. Ich hab im Interieur-Bereich eine kleine Ausbildung – da kann ich jetzt meine Kenntnisse nutzen. (Erneutes Schmunzeln.)

So eine Renovierung bedeutet aber auch, dass man erst einmal viel Geld in die Hand nehmen muss, bevor man auch nur einen Cent eingenommen hat.

Das ist richtig. Natürlich muss man Geld in die Hand nehmen, damit sich die Zuschauer*innen ab der Türschwelle wohlfühlen und gerne wiederkommen. Das fängt damit an, dass wir den Barbereich und die Garderobe erneuern, dass sich die Leute vom ersten Achterl, das sie an der Bar trinken, bis zum Stück, das sie sehen, wohlfühlen. Wir schenken übrigens einen Floridsdorfer Wein aus. Ich bemühe mich um Nachhaltigkeit und Regionalität, soweit es die Finanzen erlauben.

Bedeutet Nachhaltigkeit auch, dass das bestehende Ensemble um Christoph Fälbl und Andreas Steppan bleibt?

Unbedingt! Der Altbestand – ich sage das jetzt nicht despektierlich, sondern äußerst liebevoll – bleibt erhalten. Aber es werden auch Kolleginnen und Kollegen hier spielen, die noch nie im Gloria Theater waren. Zum Beispiel Steffi Paschke, die ich aus dem Kabarett Simpl kenne und auf die ich mich wahnsinnig freue. Das sind so meine liebevollen Schätze, die ich ausgrabe und auf die Bühne bringe.

Apropos Simpl, da waren Sie ...

Jaja, ich war die dritte Conférencière. In meinen zwölf Jahren am Simpl habe ich bei sechs Revuen mitgemacht, davon zwei confériert und drei Jahre „Krawutzi Kaputzi“ gespielt. Also ich glaube, die Komödie und den Humor kann ich ganz gut, wenn ich will. (Schmunzelnd.)

Ich hatte nie einen anderen Berufswunsch. Ich habe zwar brav die Matura gemacht, weil man es halt so macht, aber sofort danach bin ich in die Schauspielschule Krauss gegangen. Spätestens als ich in den Achtzigern „Cats“ gesehen hab, war klar: Das ist es. Für mich gibt es nix anderes als die Schauspielerei.

Sind Sie enttäuscht, dass nach Ihnen keine weitere Frau in der Position des Conférenciers nachgekommen ist?

Nein, wir wissen ja nicht, was die Zeit noch bringt. Joachim Brandl, der aktuell Conférencier ist, macht das hervorragend. Und er tut auch das, was ein Conférencier machen muss, nämlich das politische Tagesgeschehen humorig auf die Bühne zu bringen. Das kann der Joachim sehr, sehr gut. Wer ihm nachfolgen wird, wissen wir nicht. Durchaus möglich, dass es wieder eine Frau sein wird, warum auch nicht?

Es ist halt schon was anderes, als „nur“ im Ensemble zu spielen, oder?

Ich war noch unter Direktor Albert Schmidleitner Conférencière. Damals war der Anspruch, dass das eine zwanzigminütige Nummer ist. Und gerade im Simpl ist man durch den wenigen Platz auf der Bühne sehr nah am Publikum. Direkt vor dir sitzen die ersten Zuschauer*innen, direkt hinter dir ist der rote Vorhang. Das Simpl-Publikum ruft auch gern einmal was herein oder redet mit – das ist oft sehr lustig. Und natürlich, wenn jemand zu spät kommt, da hat man sehr viele humorige Anhaltspunkte. Aber es ist auf jeden Fall etwas anderes. Ich glaube, dass man Conférieren und Theaterschauspielen gar nicht miteinander vergleichen kann.

War es eine große Überwindung für Sie?

Nein. Aber man muss sich wirklich extrem mit der Tagespolitik beschäftigen, damit man aktuell bleibt. Und das muss man halt auch können. Ich habe gesagt: „Ich kann das lustig verkaufen. Ich weiß nur nicht, ob ich auch tatsächlich eine Conférence selber schreiben kann.“ Letztlich ist es mir manchmal sehr gut gelungen und manchmal weniger, wie es halt in jedem Job passiert. Natürlich hat mir Michael Niavarani als Künstlerischer Leiter immer geholfen und mir auch ein bisschen auf die Finger geschaut. Und vor allem bei der ersten Conférence hat er geschaut, in welche Richtung es geht. Aber da hat er gesagt: „So viel zu ändern ist da gar nicht.“ Auch Oliver Baier hat sich mit der einen oder anderen Wuchtel eingebracht. Also, ich war nicht alleine.

Gab es Gags von Ihnen, die rausgestrichen worden sind?

Überhaupt nicht. Ganz im Gegenteil. Das, was ich geschrieben hab, das ist dann schon so geblieben. Höchstens ergänzt um die eine oder andere Wuchtel. Ich weiß noch, dass ich damals die ersten Dinge über Donald Trump gesagt habe.

Trump-Witze wird es im Gloria Theater eher nicht geben.

Nein. Ich möchte eigentlich auch so wenig wie möglich über ihn reden, weil er eh dauernd präsent ist. Da braucht er nicht auch noch von mir Aufmerksamkeit.

Das erste Stück, das zur Neueröffnung gespielt wird, „Der nackte Wahnsinn“, ist eine sehr entlarvende Komödie über das Theater. Ist die Realität hinter der Bühne tatsächlich so, wie sie Autor Michael Frayn in seinem Stück skizziert?

Es sind natürlich einige Dinge überzeichnet, aber es entspricht schon der Wahrheit. Wir hatten gestern eine erste Probe. Und im Stück spricht der Regisseur den einen Darsteller immer mit „Schatzilein“ an. Nach der Probe hat Christoph Fälbl, mit dem ich seit über dreißig Jahren befreundet bin, angefangen: „Du Schatzilein, hast du schon ...?“ Und ich hab zu ihm gesagt: „Stoffi, wir sind wie im Stück!“ (Sie lacht.) Und ja, im Theater kann es auch die gröbsten Streitereien oder Affären geben.

Wie schaut der weitere Spielplan im Gloria Theater aus?

Gleich im Anschluss an „Der nackte Wahnsinn“ spielen wir „Zwei links, zwei rechts“, eine Verwechslungskomödie mit zwei Ehepaaren in einem englischen Landhaus. Die ist auch wahnsinnig lustig, da hab ich beim Lesen schon so unfassbar viel gelacht. Grundsätzlich werden wir in erster Linie bei Boulevardkomödien bleiben, aber es wird zwischendurch auch wieder eine Musikkomödie geben, weil ich weiß, dass das sehr gut beim Publikum ankommt. Also eine Komödie mit viel Musik, kein Musical.

Werden Sie auch selbst wieder auf der Bühne stehen?

Ich spiele im Mai zweimal mein Duo-Programm „Im Pyjama seiner Majestät“ mit Thomas Schreiweis, das ist eine Krimikomödie. Sonst bin ich jetzt einmal in erster Linie damit beschäftigt, zu inszenieren – und ich bin ja auch noch Theaterleiterin, das allein ist schon ein Fulltime-Job. Aber ich werde mir nächste Saison die Zeit nehmen, auch auf der Bühne zu stehen, damit die Leute sehen, wer da jetzt eigentlich in der Direktion herumsitzt.

Claudia Rohnefeld ist Schauspielerin, Regisseurin und Intendantin. Bekannt wurde sie unter anderem als langjähriges Ensemblemitglied des Kabarett Simpl, wo sie als dritte Conférencière in der über hundertjährigen Geschichte des Hauses auftrat.

Das Gloria Theater wird am 10. März neu eröffnet. Das Haus am Floridsdorfer Spitz gilt als größtes Boulevardtheater Wiens und setzt auch mit der neuen Hausherrin Claudia Rohnefeld weiterhin auf Komödien und unterhaltsames Sprechtheater.

Gloria Theater

Hautpflege mit Haltung im Familienunternehmen Dr. Joseph

funk tank: TEAM DR JOSEPH ist ein Familienunternehmen. Welche Vorteile bringt das und wo wird das zur Herausforderung?

Lena Franz: Es ist herausfordernd, aber es hat definitiv mehr Vorteile als Nachteile. Klar gibt es Familien, die sich nicht verstehen. Bei uns ist es so, dass wir uns gut kennen und uns gegenseitig vertrauen. Dadurch können wir auch schneller Entscheidungen treffen.

Natürlich gibt es Reibungen, die gehören dazu. Manchmal ist eine Diskussion emotional aufgeladener, aber als Familie verzeiht man sich auch vieles schneller.

Wir ergänzen uns gut, weil wir aus total unterschiedlichen Bereichen kommen. Mein ältester Bruder Fabian hat ursprünglich Architektur studiert. Viktor hat Marketing und Wirtschaft gelernt und ich komme aus einem ganz anderen Bereich – ich habe Theater-, Film- und Medienwissenschaften studiert und einen Master in Philosophie. Wien war übrigens auch elf Jahre lang mein Lebensmittelpunkt.

Unser Vater ist das beste Beispiel für Vielfalt: Er ist klassischer Betriebswirt, aber gleichzeitig ausgebildeter Pflanzenheilkundler, er hat Erboristeria in Italien studiert. Das sind vermeintliche Gegensätze, die sich bei uns treffen. Ich finde das sehr fruchtbar, weil unterschiedliche Perspektiven und Erfahrungen ins Unternehmen eingebracht werden. Wenn alle das Gleiche studiert hätten und in die gleiche Richtung schauen würden, hätte man viele blinde Flecken. So wird alles aus unterschiedlichen Richtungen diskutiert und am Ende kommt meist eine Lösung heraus, von der wir alle überzeugt sind.

Wie ist die Zusammenarbeit mit Ihrem Vater, der die Marke gegründet hat?

Er hat uns immer komplett freie Hand gelassen und das ist überhaupt keine Selbstverständlichkeit. Wir kennen viele Beispiele, wo der Senior bis 90 im Unternehmen sitzt und alles entscheidet. Da haben wir wirklich großes Glück.

Ihn hat immer mehr die Forschung interessiert – welche Pflanzen verwendet man wofür und diese Dinge. Er ist ein sehr großer Forscher. Wenn ihn ein Thema begeistert, findet man ihn hinter Büchern mit Stapeln an Informationen und Wissen.

Wir Kinder haben uns die Bereiche aufgeteilt, jede*r hat eigene Verantwortlichkeiten und das funktioniert gut. Die Übergabe war fließend und ungezwungen. Von der Seite unseres Vaters gab es nie den Druck, dass wir das Unternehmen weiterführen müssen. Es war ein freiwilliger Prozess.

Ich glaube, man verbringt einen Großteil seines Lebens bei der Arbeit. Und dort etwas Sinnvolles zu machen, etwas Eigenes, hinter dem man zu 100 % stehen kann – das ist für mich persönlich sehr wichtig. Unsere Philosophie ist uns in die Wiege gelegt worden.

Nachhaltigkeit war bei Ihnen sehr früh Thema, lange vor dem heutigen Hype.

Ja, das wurde uns gewissermaßen auch in die Wiege gelegt. Unser Vater hat das Unternehmen 1986 gegründet und damals war Naturkosmetik noch in den Kinderschuhen. Naturkosmetik wurde da eher belächelt.

Man merkt diesen Pioniergeist im Unternehmen bis heute. Da ist ein Gründer, der sehr lange gegen den Strom geschwommen ist und davon überzeugt war, dass das für ihn der richtige Weg ist. Für uns ist das daher die natürliche Richtung.

Wir haben das Glück sagen zu können, dass wir ein Unternehmen sind, das nicht auf einen Trend aufgesprungen ist, sondern seit Beginn aus tiefster Überzeugung so arbeitet. Das war viele Jahre nicht einfach, auch weil Rohstoffe extrem limitiert waren. Heute ist das Spektrum breiter, weil der Markt sich verändert hat.

Das neue Buzzword ist für mich nicht mehr Nachhaltigkeit, sondern Transparenz. Nachhaltig ist inzwischen irgendwie jede*r – der Begriff ist überstrapaziert und fast schon leer. Transparenz hingegen ist entscheidend. Genau daran haben wir in den letzten Jahren sehr intensiv gearbeitet.

Welche Rolle spielt Südtirol für Ihre Marke?

Südtirol ist für uns der Ort, wo wir hineingeboren wurden und geblieben sind. Hier fühlen wir uns wohl, hier sind unsere Mitarbeiter*innen, hier ist unser Ursprung. Die Region steht für Handwerkskunst, Qualität und Präzision, das prägt uns.

Was wir aber nicht sind, ist alpine Kosmetik. Wir beziehen unsere Roh- und Wirkstoffe dort, wo die Pflanzen heimisch sind, weil sie dort ihre intensivste Kraft entwickeln. Die alpine Region bietet spannende Rohstoffe wie Edelweiß, aber diese sind limitiert. Deshalb arbeiten wir mit einem sehr breiten Wirkstoffspektrum.

Südtirol begeistert natürlich auch unsere Kundinnen und Kunden, wir sind primär in der DACH-Region präsent. Der ganze Spa- und Wellness-Bereich kommt aus der alpinen Region, daraus haben wir uns ja auch ursprünglich heraus entwickelt.

Wo sind Ihre Produkte erhältlich?

Zum Beispiel in Wien bei Staudigl, außerdem in 4- und 5-Sterne-Hotels, bei Kosmetikinstituten, ausgewählten Retail-Partnerinnen und Partnern und natürlich in unserem Online-Shop.

Wir haben ja schon kurz über Nachhaltigkeit gesprochen. Sie veröffentlichen jährlich einen Nachhaltigkeitsbericht, das ist schon next level. Wo sehen Sie sich als Vorreiter und wo gibt es noch etwas zu tun?

Nachhaltigkeit ist ein Bereich, in dem immer Luft nach oben ist. Wir arbeiten daran aber schon sehr lange, seit den 1980er-Jahren. Und auch wir haben da sicher nicht immer alles richtig gemacht. Packaging ist da ein großes Thema, das erst ein jüngeres Phänomen ist.

International positioniert uns die Vielzahl unserer Zertifizierungen. Die Kombination aus B Corp, PETA, COSMOS, Plastikneutral und Net-Zero ist in der Kosmetikbranche selten. Die B Corp-Zertifizierung ist eine Unternehmenszertifizierung und muss alle drei Jahre erneuert werden – mit verbessertem Punktestand. Da wären wir wieder bei der Luft nach oben.

Wir arbeiten mit Plastic Bank, wo Menschen in Entwicklungsländern Plastik sammeln und gegen Einkommen tauschen können. Außerdem mit dem Green Future Project, wo wir unsere CO₂-Emissionen tracken und kompensieren.

Unsere oberste Prämisse ist immer: zuerst reduzieren, dann kompensieren. Unsere eigene Produktion in Südtirol läuft zu 100 % mit erneuerbarer Energie.

Wie wichtig ist Nachhaltigkeit für Ihre Kundinnen und Kunden?

Wenn ein Produkt nicht wirkt, hilft auch Nachhaltigkeit nichts. Hautpflege wird wegen ihrer Funktion gekauft. Wenn das passt, wird Nachhaltigkeit für viele zur Entscheidungshilfe.

Für uns war Nachhaltigkeit lange selbstverständlich, deshalb haben wir sie wenig kommuniziert. Heute sehen wir, dass Zertifizierungen auch Orientierung für Käufer*innen bieten.

Das neue Buzzword ist für mich nicht mehr Nachhaltigkeit, sondern Transparenz. Nachhaltig ist inzwischen irgendwie jede*r – der Begriff ist überstrapaziert und fast schon leer. Transparenz hingegen ist entscheidend. Genau daran haben wir in den letzten Jahren sehr intensiv gearbeitet. Gerade im Greenwashing-Dschungel stellt sich die Frage: Wie differenzieren wir uns wirklich? Nicht indem wir lauter behaupten, nachhaltig zu sein, sondern indem wir es belegen – mit Zertifizierungen, Daten und einer offenen, transparenten Datenlage. Wer wirklich interessiert ist, kann bei uns tief eintauchen und findet keine versteckten Leichen, sondern einfach noch mehr Informationen.

Welches Produkt erzählt Ihre Geschichte am besten?

Unsere absoluten Bestseller sind die „Age Repair Miracle Drops“. Das Produkt, das unsere Geschichte am besten erzählt, ist aber wahrscheinlich das „Ultra Hydration Serum“. Feuchtigkeit braucht jede Haut. Man spürt die Textur, die Wirkstoffdichte und unsere 40-jährige Erfahrung.

Wer ist Ihre typische Kundschaft?

Unsere Hauptzielgruppe liegt zwischen 35 und 60 plus, überwiegend weiblich, aber auch immer mehr Männer greifen zu unseren Produkten. Wir machen genderneutrale Kosmetik, weil es nicht die eine Haut gibt. Auch Männerhaut ist sensibel, Männerhaut ist auch reif, Männerhaut kann auch unrein sein. Da wir aus dem Institutsbereich kommen, haben wir ein extrem breites Sortiment an Produkten, das wirklich auf jedes einzelne Hautbedürfnis individuell eingehen kann.

Was halten Sie von Kinderkosmetik?

Kinder brauchen per se keine Kosmetik, außer mineralischen Sonnenschutz. Der Trend zu Kinderkosmetik entspricht nicht unserer Philosophie. Da geht es mehr um Gewinnmaximierung.

Sie sprechen von „Well-Aging“ statt „Anti-Aging“. Warum?

Altern ist ein biologischer Prozess. „Anti“ suggeriert Kampf. Well-Aging bedeutet, schön und gesund älter zu werden. Unsere Produkte können unterstützen, aber keine Creme ersetzt Sport, Ernährung oder soziale Beziehungen.

Wie definieren Sie die perfekte Beauty-Routine?

Die perfekte Beauty-Routine gibt es für mich nicht. Es gibt immer nur die Routine, die für den einzelnen Menschen wirklich gut funktioniert. Sie hängt von vielen Faktoren ab: Hautzustand, Alter, Wohnort, Klima und Jahreszeit.

Ich selbst habe eine eher trockene, sensible Haut. Meine ideale Morgenroutine ist deshalb bewusst einfach: Ich reinige nur mit Wasser, verwende anschließend einen Toner, ein Serum und danach eine feuchtigkeitsspendende oder reichhaltige Creme. Eines meiner Lieblingsprodukte ist unsere „Couperose-Creme“, da ich leichte Couperose habe.

Und ein ganz zentraler Punkt ist Sonnenschutz. Das habe ich ehrlich gesagt auch erst in den letzten Jahren wirklich verinnerlicht. Konsequent jeden Tag SPF 50 zu tragen, macht einen enormen Unterschied für die Haut, bei jedem Wetter!

Welche Themen werden die Beautybranche künftig prägen?

Ich glaube, ein zentrales Thema wird Hautgesundheit sein, eng verbunden mit Longevity, also der Frage, wie wir die Lebensqualität verlängern können, nicht nur die Lebensdauer. Dabei wird die belegte Wirksamkeit von Produkten immer wichtiger, denn Konsumentinnen und Konsumenten haben genug von großen Versprechen, die sich auf ihrer Haut nicht zeigen.

Ein weiterer Treiber ist die Individualisierung. Die eine Creme für alle gibt es nicht – Nutzer*innen wünschen sich Pflege, die wirklich auf ihre persönlichen Hautbedürfnisse eingeht, zum Beispiel auf trockene Wangen oder feine Linien im Augenbereich. Hier helfen modulare Produktlinien, gezielte Kombinationen und maßgeschneiderte Behandlungsmethoden. In unserer Schulungsakademie arbeiten wir mit Konstitutionstypen: Druck, Geschwindigkeit und Technik der Behandlung werden an den einzelnen Menschen angepasst – manche mögen intensive Berührungen, andere sanfte Streichungen.

Auch Technologie wird eine größere Rolle spielen, etwa durch künstliche Intelligenz in der Analyse. Gleichzeitig wächst der Wunsch nach Menschlichkeit: echte Berührung und persönliche Zuwendung bleiben entscheidend.

Die spannende Herausforderung für die Zukunft liegt darin, Technologie, Nachhaltigkeit und Transparenz zu verbinden – in der Produktentwicklung, im Packaging und in der Behandlung.

TEAM DR JOSEPH ist ein familiengeführtes Naturkosmetik-Unternehmen aus Südtirol, das seit 1986 für hochwertige, wirksame Hautpflege steht. Die Marke verbindet Tradition, Forschung und Nachhaltigkeit und legt großen Wert auf Transparenz, Individualisierung und Hautgesundheit. Die Produkte von DR JOSEPH sind weltweit in ausgewählten Apotheken, Spas, Hotels und online erhältlich.

TEAM DR JOSEPH

Christof Spörk mit neuem Programm „Maximo Lieder“

funk tank: Dein neues Programm heißt „Maximo Lieder“. Du wirst also vermutlich wieder sehr viel singen. Worüber?

Christof Spörk: So war es geplant. Und so ist es. Das vorige Programm „Eiertanz“ war eher wortlastig. Jetzt bin ich zu meinen Wurzeln zurückgekehrt. Und sehr glücklich damit.

„Maximo Lieder“ war ja auch schon der Titel eines Musikprojekts von dir, das vor 25 Jahren entstanden ist?

Genau, damals habe ich als Journalist gekündigt und dieses Bandprojekt gegründet, zeitgleich mit „Global Kryner“. Damals ist auch das Wortspiel mit dem „Maximo Lider“ Fidel Castro auf Kuba entstanden, der da noch gelebt hat.

War die Weltlage damals eine andere als heute?

Man hatte damals auch schon das Gefühl, man lebt in einer Krise. Aber das ist menschlich, dass man immer dorthin schaut, wo es gefährlich werden könnte. Das, was sich seither wirklich geändert hat, ist die Schnelligkeit der Informationsweitergabe. Deshalb, glaube ich, sind wir heute noch mehr im Alarmmodus. Daran müssen wir uns wohl gewöhnen, an diesen Dauer-Alarmismus. Aber einen Dritten Weltkrieg will in Wahrheit niemand, weder Donald Trump noch Wladimir Putin.

Mich hat die Politikwissenschaft stärker geprägt, als mir lange bewusst war. Deshalb tue ich mir auch so schwer, mit gewissen rechts-, aber auch linkspopulistischen Tendenzen, wenn ich mir denke: Hallo, das haben wir doch längst ausdiskutiert. Dahin müssen wir nicht mehr zurück.

Du hast eine ganz besondere Beziehung zu Kuba. Als Ehemann einer Kubanerin hast du sicher auch einen ganz speziellen Blick auf den sogenannten Hinterhof der USA.

Venezuelas früherer Präsident Hugo Chávez war kein Guter, und sein Nachfolger Nicolás Maduro ist ein noch viel Schlechterer. Auch was auf Kuba passiert, ist furchtbar. Das System dort nennt sich Kommunismus, ist aber eine mafiöse Struktur, in der einige Familienclans Macht und Reichtum unter sich aufteilen. Man sieht ja, wie viele Menschen aus Kuba flüchten, die Bevölkerung ist von elf auf neun Millionen geschrumpft. Die Situation ist katastrophal, und in Venezuela ist es nicht viel besser. Insofern freut man sich, wenn sich etwas ändert. Auf der anderen Seite: Wenn jetzt der mächtigste Akteur der Welt nach Gutdünken einen Regierungschef entführen lässt, dann ist das ein Präzedenzfall, wo ich mir nicht ausrechnen will, wo es hingeht.

Würde allerdings Donald Trump die Mullahs im Iran stürzen, dann gäbe es wahrscheinlich schon viel Applaus. Und es waren wohl auch viele beim Sturz von Saddam Hussein im Irak nicht unbedingt dagegen. Natürlich, die Folgen, die dieser Regime Change für den Irak hatte ...

Ich bin damals, als Saddam gestürzt wurde, gerade von Kuba zurückgekommen, und habe mir auch gedacht: Es ist moralisch tatsächlich ein Dilemma, wenn den Menschen unter der Knute eines Militärregimes nicht geholfen wird. Da gibt es zwar viele, die sagen, die Unterdrückten müssen sich von den Unterdrückern selbst befreien. Aber wenn man sich anschaut, was jetzt im Iran passiert mit den tausenden Toten. Da ist es zynisch, zu sagen: Das geht uns nichts an. Die Frage ist natürlich immer, wer was und vor allem mit welcher Begründung macht. Wenn das ein Donald Trump ist, dessen Einwanderungsbehörde gleichzeitig eine Mutter von drei Kindern erschießt, weil sie mit dem Auto reversiert, und das mit „inländischen Terrorismus“ begründet, dann bin ich schon sehr skeptisch.

Andererseits wird es die EU zum Beispiel nicht machen.

Das kann sie auch gar nicht. Allerdings muss man der EU zugestehen, dass sie das erfolgreichste politische Projekt der vergangenen Jahrzehnte ist, das zu Unrecht oft schlechtgeredet wird. Es ist nirgendwo so viel positiv weitergegangen wie im europäischen Raum. Nur sehen wir in Europa das oft nicht. In meinem Programm „Maximo Lieder“ geht es auch um den Trend zum Autoritären, den ich stark kritisiere. Die jetzige Situation lässt viele ratlos zurück. Dabei leben wir historisch nach wie vor auf dem höchsten Level. Uns geht es in Summe so gut wie keiner Generation vor uns: Wir leben so lang wie noch nie, haben ein tolles Gesundheitssystem, können uns frei bewegen und unsere Meinung frei äußern. Trotzdem kippt ein Teil unserer Gesellschaft ab, aus Panik, irgendwas zu verlieren. Da stellt sich dann schon die Frage: Was bringt eigentlich Wirtschaftswachstum, was bringt Wohlstand, wenn es beim ersten Knacksen im Gebälk eine politische Entwicklung gibt, die es früher in Zeiten gegeben hat, als es wirklich schwierig war, in den 1920ern und 1930ern? Heute hingegen ist es nicht wirklich schwierig – wir haben nur Angst, den Vorrang zu verlieren. In Europa macht man sich Sorgen, wenn wir mit sieben Prozent der Weltbevölkerung nicht mehr ein Viertel des globalen BIP generieren. Gerecht wäre die Welt, wenn in jedem Land die Wirtschaftsleistung in etwa der Bevölkerung entspräche. Aber wenn wir uns darüber beschweren, dass wir nur noch fünfmal so reich sind wie andere Staaten, dann frage ich mich: Wo ist das Problem?

Ein aktueller Krisenherd ist die Ukraine. Die Hauptstadt Kiew, die von russischen Luftangriffen nicht verschont geblieben ist, kennst du aus eigener Erfahrung, weil du dort vor 21 Jahren für Österreich mit „Global Kryner“ beim Song Contest gestartet bist. Warst du seither noch einmal dort?

Nein, leider. Ich war damals sehr beeindruckt von dieser Stadt. Das ist auch wieder so typisch. Wir schauen hier in Mitteleuropa immer nur nach Westen. Aber dass es im Osten solche Städte gibt wie Kiew, das zurecht auch das Paris des Ostens oder das Jerusalem des Nordens genannt wird, mit wunderschönen Kirchen, ist vielen nicht bewusst. Im Zuge des Ukraine-Krieges ist das im deutschen Feuilleton selbstkritisch diskutiert worden: Wie nehmen wir die Ukraine wahr? Man hat zum Beispiel immer so ein Schuldgefühl gegenüber Russland wegen der NS-Verbrechen in der Sowjetunion. Und dabei vergisst man, dass sehr viele Gräuel in der Ukraine stattgefunden haben.

Und dass die „Russen“, die Österreich und Deutschland von den Nazis befreit haben, in der Mehrzahl Ukrainer waren.

Genau. Wo ich überhaupt nicht mitkomme, sind Diskussionen, wo es eigentlich nur um Einflusssphären geht. Also was gehört den USA und was gehört Russland – und es wird ausgeblendet, dass die Ukraine ein eigenständiger Staat ist, der ja wohl bitte selbst entscheiden kann, ob er zum Beispiel der EU oder der Nato beitreten will. Warum sollte sie da einen großen Bruder fragen müssen?

Zurück zum Song Contest: Wie hast du die Teilnahme erlebt?

Es war ein Höhenflug, der dann mit dem Ausscheiden im Halbfinale abrupt geendet ist. Man wird medial in die Höhe gehoben und hat das Gefühl, das ist alles normal so – nein, es ist natürlich nicht normal. Die Stimmung vor Ort war jedenfalls echt toll. Auch wenn ich den Song Contest bis dahin nicht so verfolgt hatte.

Viele nehmen ihn ja auch nicht wirklich ernst.

Der Song Contest ist rein musikalisch gesehen sicher von manchmal zweifelhafter Qualität. Aber er ist einfach ein Fest der Liebe, der Freude, der Belanglosigkeit, des Menschseins. Am Song Contest geht die Welt jedenfalls nicht zugrunde.

Er wird sie aber auch nicht verbessern.

Das nicht, aber diese Banalität des friedlichen Zusammenseins und Feierns hat in Zeiten wie diesen schon an Relevanz gewonnen, finde ich.

War der Absturz durch das frühe Ausscheiden für dich schlimm?

Jede ernstzunehmende Person in der Kunst hat einmal eine Krise, und meine war nach dem Song Contest 2005. Da habe ich gute drei Jahre lang schon sehr daran gekiefelt.

So lange?

Jaja, da kommt halt vieles zusammen. Weil wenn du so hinaufgehoben wirst, und dann lieferst du nicht – es ist zwar ein Musikfestival, aber letztendlich ist es wie beim Skirennen: Als 27. gehörst du zwar zu den 30 Besten der Welt, aber es zählen halt nur die ersten drei. Das spürt man dann schon.

Hast du danach den Song Contest trotzdem noch verfolgt?

In der ersten Zeit habe ich ihn völlig ignoriert. 2014 war es dann lustig. Da habe ich mir am Computer den Song Contest angeschaut, weil es geheißen hat, Österreich könnte gewinnen – und sehe, dass auf ORF III gerade parallel die Wiederholung von „Christof Spörk – Sommerkabarett“ läuft. Das hat an diesem Abend wirklich kein einziger Mensch geschaut. Nicht einmal ich selbst.

Bist du mittlerweile mit dem Song Contest versöhnt?

Ja. Insgesamt war die Teilnahme eine schöne Erfahrung. Ich durfte bei einer der größten Fernsehshows der Welt mitmachen. Und ich darf immer noch auf der Bühne sein, und zwar mit etwas, das mir Spaß macht. Das ist auch ein Privileg.

Du bist seit Jahrzehnten hauptberuflicher Kabarettist. Wie viel Politologe steckt eigentlich noch in dir?

Sehr viel. Ich merke einfach: Was man als junger Mensch als Ausbildung macht, prägt einen fürs ganze Leben. Ich habe mir früher immer gedacht: Warum schreibt man bei einem 60-Jährigen dazu, was er studiert hat? Das ist doch Jahrzehnte her. Jetzt verstehe ich es. Mich hat die Politikwissenschaft stärker geprägt, als mir lange bewusst war. Deshalb tue ich mir auch so schwer, mit gewissen rechts-, aber auch linkspopulistischen Tendenzen, wenn ich mir denke: Hallo, das haben wir doch längst ausdiskutiert. Dahin müssen wir nicht mehr zurück.

Deine Ehefrau ist gebürtige Kubanerin. Haben deine Ehefrau und/oder eure vier Kinder in Österreich Rassismus erlebt?

Ja, leider, und er wird meiner Beobachtung nach schlimmer.

Dabei sollte man meinen, dass unsere Gesellschaft aufgeklärter, moderner und weltoffener wird.

Ich habe zwei Kinder im jungen Erwachsenenalter und zwei, die um die zehn Jahre jünger sind. Und da muss ich sagen: Der Alltagsrassismus an den Schulen ist im vergangenen Jahrzehnt in meiner Wahrnehmung eklatant gestiegen. Ich will nicht sagen, dass die Leute rassistischer geworden sind, aber die Rassisten und Rassistinnen halten sich nicht mehr zurück. Man kann wohl von dem, was Kinder sagen, darauf schließen, was zuhause gesprochen wird. Und da hat sich etwas verschoben.

Ist dieser neue Rassismus eine Gegenbewegung, weil ein Teil der Gesellschaft immer woker wird?

Ich glaube, den Höhepunkt der Wokeness haben wir längst überschritten. Vermutlich erleben wir gerade einen Backlash, weil gewisse Diskussionen und Differenzierungen sich so losgelöst haben, dass sich „normale“ Menschen abgehängt und unverstanden fühlten. Und die sind teils mit offenen Armen aufgefangen worden von Ideologen und Ideologinnen und Politikern und Politikerinnen, die es nicht so gut meinen. Es sind auch nicht alle, die jetzt nach rechts abdriften, schlechte Menschen. Sie arbeiten fleißig, engagieren sich zivilgesellschaftlich, ob bei der Feuerwehr oder der Rettung, helfen ihren Nachbarn und Nachbarinnen – also eigentlich Bürger*innen, wie man sie sich nur wünschen kann. Aber sie fühlen sich unverstanden und bevormundet. Und bei denen schlägt jetzt das Pendel in eine andere Richtung aus. Ich will der Wokeness-Bewegung nicht unterstellen, dass sie schuld an Donald Trump ist. Aber es ist halt leider ein dialektischer Prozess.

Also eine Kritik an „woken Gutmenschen“, wie sie Trump gerne nennt?

Nein, im Gegenteil: Ich bedaure, dass es überhaupt diesen Kampfbegriff „Gutmensch“ gibt. Wenn man einen Heuchler meint, dann kann man ihn ja auch Heuchler nennen. Aber dass man Menschen, die Gutes wollen, und nur manchmal ein bisserl naiv und patschert daherkommen, denunziert, finde ich nicht gut. Ich habe unlängst gelesen, dass die neue Denkart, die von Trump und den rechtspopulistischen Personen ausgeht, lautet: Alle Menschen sind schlecht. Die Einzigen, die gut sind, sind diejenigen, die zugeben, dass sie schlecht sind. Und jeder Versuch, moralisch zu leben, wird hinweggefegt. Das finde ich schlimm. Diese neue Geopolitik, die wir jetzt erleben, ist ja genau das. Trump gibt ja selbst zu, dass es ihm in Venezuela nicht um die Demokratie geht, sondern ums Öl. Das kann man ehrlich nennen, aber ich finde es vor allem katastrophal.

Christof Spörk wurde 1972 in Voitsberg (Steiermark) geboren. Nach der Matura studierte er Politikwissenschaften und gründete nebenbei 1992 die Band „Die Steirische Landstreich“. Es folgten ein Erasmus-Aufenthalt in Spanien, ein Chile-Aufenthalt für seine Diplomarbeit mit dem Titel „Zivil-militärischen Beziehungen in der chilenischen Transition“ sowie ein Kuba-Aufenthalt für seine Dissertation zu „Musik & Politik in Kuba 1959 bis 1999“. Auf der Karibikinsel lernte Spörk seine spätere Ehefrau kennen. Beruflich widmete er sich kurz dem Journalismus, ehe er komplett auf Musik (vor allem mit „Global Kryner“) und Kabarett umsattelte. Der Erfolg – in Form von „Salzburger Stier“, „Österreichischem Kabarettpreis“ und anderen Kleinkunstauszeichnungen – gibt ihm Recht. Mit „Maximo Lieder“ bringt Spörk nun sein bereits achtes Kabarettprogramm auf die Bühne. Premiere ist am 28. Jänner 2026 im Wiener Stadtsaal.

Christof Spörk

Christoph Mayer: Zwischen Laufsteg und Werkbank

funk tank: Sie stammen aus einer Schuhmacher*innenfamilie. Wodurch und wann war für Sie klar, dass Sie auch diesen Weg einschlagen?

Christoph Mayer: Das Schuhmachen ist mir quasi von Anfang an mitgegeben worden – es lag einfach in der Familie und lag regelrecht in der Luft. Ich war als Kind ständig im Schuhgeschäft meiner Eltern, und für mich stand schon früh fest, dass ich in der Schuhbranche bleiben und diesen Weg weitergehen werde.

Da ich das Geschäft meiner Eltern übernehmen wollte, stellte mein Vater eine klare Bedingung: die Lehre zum Schuhmacher zu absolvieren. Sein Grundsatz war: Man muss wissen, wie ein Schuh gemacht wird, bevor man ihn verkaufen darf. Im Anschluss besuchte ich dann das College an der LDT Nagold.

Sie haben das Handwerk mit allem, was dazugehört gelernt: Leder, Leisten, Maschinen. Später waren Sie bei Armani. Wie verändert sich der Blick auf Form und Material, wenn man zwischen Werkbank und Mailänder Laufsteg pendelt?

Bei meinem früheren Arbeitgeber steht das Markenimage in der Kommunikation im absoluten Mittelpunkt. Für mich waren und sind das Material und das Handwerk das eigentliche Herzstück – das, was mich an Schuhen wirklich fasziniert und antreibt.

Als Think! auf Sie zukam, wussten Sie sofort: Das passt. Sie haben Armani den Rücken gekehrt und sind wieder zurück zu den Wurzeln gegangen. Eine unkonventionelle Entscheidung …

Ich war wirklich seit jeher ein Fan der Marke Think!, bereits zu meinen Zeiten im Schuhhandel. Mich hat die eigenständige, unverwechselbare Designsprache begeistert und ich war von der Qualität überzeugt – vom ersten Schnitt bis zur letzten Naht, kompromisslos gedacht.

Jeder Schuh durchläuft bis zu 200 Arbeitsschritte. Viele davon sieht man nicht, aber man spürt sie. Welche dieser Schritte bedeuten Ihnen persönlich am meisten?

Schwierig, diese Frage auf einen einzigen Moment zu reduzieren. Jeder Arbeitsschritt ist wichtig, aber einer der grundlegendsten ist für mich das Stanzen – dieser Moment, in dem das Leder sauber und präzise fällt. Ein weiterer maßgeblicher Schritt ist, wenn Schaft und Sohle endlich zusammenkommen. Dann sieht man sofort, ob das Design, die Form und die Proportionen harmonieren. Das ist für mich immer ein beinahe magischer Moment.

Für mich waren und sind das Material und das Handwerk das eigentliche Herzstück – das, was mich an Schuhen wirklich fasziniert und antreibt.

In Ihrer Arbeit steckt viel Konsequenz – zum Beispiel bei der Barfußsohle mit Null-Sprengung oder der Haltung, keine Absätze über 3,5 cm zu machen, weil das orthopädisch gesehen ungesund ist. Sind diese Vorgaben manchmal auch schwierig einzuhalten?

Unsere Schuhe folgen klaren, ehrlichen Prinzipien. Wir wollen wirklich das Beste für die Füße unserer Kundinnen und Kunden. Dazu gehört die richtige Bauweise, inklusive durchdachter Sprengung, um Fußprobleme zu vermeiden. Wir legen größten Wert auf Passform und Komfort. Denn im Gegensatz zu einem T-Shirt, bei dem ein schlechter Sitz kaum Konsequenzen hat, kann ein falsch konstruierter Schuh den ganzen Alltag ruinieren.

Sie produzieren „Problemlöser, die gut aussehen“. Was muss ein Schuh können?

Der Schuh muss perfekt passen und seinem Träger/seiner Trägerin ein gutes Gefühl schenken. Entscheidender Faktor ist unter anderem die richtige Materialwahl für ein gutes Fußklima.

Think! und Vega Nova arbeiten eng zusammen. Zwei Bereiche, die auf den ersten Blick nichts miteinander zu tun haben: Möbel und Schuhe. Was verbindet die Unternehmen?

Auch bei Vega Nova wird unsere Philosophie gelebt, denn gesundes Gehen, Sitzen und Schlafen beeinflussen das gesamte Körpergefühl. Mit den richtigen Produkten kann man seinem Körper tatsächlich etwas Gutes tun.

Sie arbeiten mit natürlichen Materialien wie Schafwolle, Loden, pflanzlich gegerbtem Leder, Naturlatex. Wonach wählen Sie aus? Wer und wo sind Ihre Partner*innen?

Wir legen großen Wert darauf, dass unsere Partner*innen unsere Qualitätsansprüche teilen. Bei allen Kooperationen achten wir auf höchste Zertifizierungen und die Erfüllung unseres strengen Kriterienkatalogs.

Für unsere Lodenfutter verwenden wir ausschließlich Loden Steiner-Produkte aus Österreich. Unser Leder wird unter den strengen Standards der Leather Working Group (LWG) gefertigt. Und unsere Sohlenhersteller*innen sind etwa bei unserer Naturlatexsohle FSC-zertifiziert. So können wir die beste Materialauswahl garantieren und sicherstellen, dass unsere Produkte unseren ethischen und ökologischen Standards entsprechen.

Nachhaltigkeit bedeutet für Sie nicht nur Material, sondern auch Langlebigkeit, Reparaturfähigkeit, Transparenz. Wie konsequent lässt sich das im Alltag der Produktion durchziehen?

Nachhaltigkeit wird bei uns wirklich durchgehend gelebt. Wir achten von der Materialauswahl und der Verpackung bis hin zur Energieversorgung in unserem Gebäude darauf. Wir nutzen ressourcenschonende Logistik, wie etwa mit dem Einsatz von Gitterboxen im Versand und setzen auf Langlebigkeit.

Unser Engagement für Nachhaltigkeit geht weit über das Übliche hinaus: Wir setzen uns sowohl im sozialen Bereich als auch für den Umweltschutz ein. So arbeiten wir beispielsweise eng mit der Lebenshilfe Oberösterreich zusammen und übernehmen Patenschaften für regionale Bienenschutzprojekte.

Und unser hauseigener Reparaturservice unterstützt diesen nachhaltigen Gedanken maßgeblich. Allein im Oktober konnten wir mehr als 150 Paar Schuhe wiederbeleben – das erfüllt uns jedes Mal aufs Neue.

In Tokio stehen Ihre Schuhe im teuersten Kaufhaus der Stadt …

Diese Wertschätzung bedeutet uns wirklich enorm viel, weil wir wissen, dass echtes Handwerk in Japan noch einmal auf einem völlig anderen Level wahrgenommen wird als anderswo. Wir sind wirklich stolz, in Tokio so prominent und hochwertig präsentiert zu sein.

Wenn Sie sich einmal nicht mit Kollektionen, Materialien oder Lieferketten beschäftigen, sondern sich die Frage stellen, warum Sie das alles eigentlich machen. Was antworten Sie?

Weil ich Schuhe liebe! Selbst im Urlaub oder auf Städtetrips führen mich meine Wege fast automatisch in Schuhgeschäfte – das ist einfach Teil von mir. Das ist meine Leidenschaft. Für mich ist klar: Ein Schuh definiert einen Look und macht das Outfit wirklich erst komplett.

Christoph Mayer ist Schuhmacher aus Tradition und Geschäftsführer von Think!. Nach seiner Ausbildung und Erfahrungen bei internationalen Marken kehrte er zu seinen handwerklichen Wurzeln zurück und verbindet heute Qualität, Präzision und Nachhaltigkeit in jedem Schuh.

Think! ist eine österreichische Schuhmarke, die hochwertige, nachhaltige Schuhe produziert. Sie legt Wert auf sorgfältig ausgewähltes Leder, präzise Leisten und zeitloses Design, das Komfort und Langlebigkeit miteinander vereint.

Think! Schuhe

„In die Sonne schauen“: Wie wir weniger allein sein könnten

funk tank: Schon während ich gefesselt im Kino saß, tauchten parallel eigene Erinnerungen auf, die mich auch danach beschäftigten. Eine intensive und erstaunliche Erfahrung. Welche Reaktion wünschst du dir für deinen Film?

Mascha Schilinski: Genau das, was du gerade gesagt hast. Wir haben versucht, Gefühle einzufangen, die ein Echo ergeben, damit die Menschen sich selbst erinnern und anfangen zu sprechen. Es ist ein riesiges Geschenk, dass wir erleben dürfen, wie sie sich berühren und – auch verdrängte – Bilder auftauchen lassen.

Selbst von Publikum mit 80 plus hören wir: „Ah, diese eine Geschichte hatte ich völlig vergessen …“ Da sage ich am liebsten: Schreibt sie alle auf, damit sie nicht verloren gehen.

Schön ist auch die Reaktion von vielen Männern, die teilweise sehr berührt auf uns zukommen und sagen: Sie verstehen sich ohnehin als Feministen, aber sie haben erst jetzt durch den Film kapiert, was es in bestimmten Momenten heißt, eine Frau zu sein.

Die Mädchen- und Frauengeschichten, schöne und dramatische, die humorvollen und die traurigen Szenen, die ihr auf so besondere Weise miteinander verknüpft, habt ihr zum Großteil auf einem Vierkanthof in der Altmark gedreht. War der Hof auch Inspiration?

Meine Co-Autorin Louise Peter und ich haben uns schon lange mit Sachen beschäftigt, die aus dem Benennbaren dieser Welt herauskippen. Mit feinstofflichen Fragen, für die man wie in einen Puls eines Menschen hineinkriecht, um seine leisen inneren Beben ausfindig zu machen, wo im Geheimen etwas zu Bruch ging. Das können auch kleine Dinge sein, aber vielleicht so schambehaftet, dass sie nie wieder erzählt werden. Was schreibt sich in unseren Körper? Was bleibt? Warum fühlen wir uns manchmal als Stellvertreter im eigenen Leben und wissen vielleicht nicht einmal für wen?

Es geht hier um transgenerationale Weitergabe von Traumata. Wir haben viele Phänomene und Geschichten zusammengetragen, beispielsweise Träume, von denen sich herausstellt, dass die Großmutter oder der Großvater die Geschichten eins zu eins erlebt haben. Wir haben uns dabei immer wieder gefragt: Wie sollen wir das in einen Film packen, wo es manchmal auch nur um ein Gefühl geht?

Dann kam Corona und wir sind aus Berlin auf diesen Hof geflüchtet, den ich schon zuvor kannte.

Plötzlich war der Gedanke da: Ihr wärt alle viel weniger alleine, wenn ihr voneinander wissen würdet. Wir alle.

Ein spannender Ort, der teilweise seit Jahrzehnten unberührt leerstand …

Dort hat mich eine alte Kindheitsfrage erwischt: Wer saß schon einmal genau an dieser Stelle, wo ich gerade sitze? Was erlebte diese Person, was dachte sie – und was hat das mit mir zu tun? Wir verbrachten dort viel Zeit und fanden eine alte Fotografie von drei Frauen, drei Mägden. All das zusammen wurde zum Startschuss, diesen Hof als eine Art Gefäß zu nehmen, um sichtbar zu machen, was durch die Zeit kommt. Wir wollten nie eine Hauptfigur, die wie eine Detektivin durch die eigene Geschichte geht, uns ging es um die Momente, in denen man sich fast von seinem Körper verraten fühlt, in denen man sich fragt: Woher kommt das denn jetzt?

Der Film öffnet unter anderem die Tür dazu, in das Leben von Mägden einzutauchen. Das sind beinahe unerträgliche Dinge. Wie waren die Recherchen dazu?

Wir hatten zunächst auch männliche Figuren und gar nicht die Intention, den Film aus einer fast rein weiblichen Perspektive zu erzählen. Wir haben zwei Jahre lang eine Materialschlacht gemacht, aus unserem inneren Material, aus Interviews, die wir in der Region geführt haben, wir haben die Stadtbibliothek in Stendal geplündert und unter anderem minutiös erzählte Beschreibungen von Männern entdeckt, wie ein Hof geführt wurde. Dann fanden wir zwei Bücher von Frauen, die in einem Bullerbü-artigen Ton von ihrer Kindheit und dem verlorenen Paradies erzählten, die eine Landidylle beschrieben. Mittendrin, im gleichen Ton und fast aus einer kindlichen Perspektive, fanden wir dann Halbsätze, die total verstörend sind. Da stand dann etwa: Die Magd müsse erst „gemacht“ werden, damit sie für den Mann ungefährlich ist.

Wir haben dann die Recherchen über Mägde ausgeweitet, auch auf Österreich und die Schweiz. Was wir da fanden, war so finster, dass es finsterer gar nicht geht. Egal wo die Mägde lebten, sie galten nicht als Personen, sondern als eine Sache. Sie hatten kein Leben, im Gegensatz zu den Knechten hatten sie nicht einmal einen freien Abend, und sie lebten immer im Bangen darum, dass sie ausfallen könnten, wenn sie krank oder schwanger werden, und dann vom Hof verscheucht werden.

Wir konnten im Einzelnen gar nicht die ganze Bedeutung dieser „Halbsätze“ herausfinden, und nahmen sie auch genau aus dem Grund hinein: weil da offenbar Wissen verloren gegangen ist, weil etwas so schambehaftet war, dass es nicht weiter erzählt wurde. Wir ließen dann mit Hilfe der Figuren fast halluzinativ Bilder aufsteigen und verknüpften sie miteinander.

Es geht uns auch darum, wie Erinnerung und Vorstellung ineinander greifen. Die Bilder, die wir nicht sehen, sind eigentlich noch wichtiger: Wo wurde etwas abgespalten, worauf haben wir keinen Zugriff mehr, wo musste etwas ertränkt werden, damit man weiterleben kann.

Das heißt: Anfangs waren auch die Geschichten der Männer stärker integriert, die Frauen haben sich dann aber sozusagen im Zuge eurer Prozesse den Raum genommen?

Ja. Irgendwann wurde uns klar: Der Unterschied besteht darin, dass Frauen bestimmten Blicken unterzogen sind, die Männer einfach nicht kennen. Punkt (sic!). – Welche Blicke sind das? Und wie blicken die Frauen zurück? Diese Blicke einmal in hundert Jahren Leben der Frau anzuschauen holen wir jetzt ins Zentrum.

Manchmal handelt es sich dabei um Sekunden, die einen im Kino wie ein Stromschlag treffen: Wenn beispielsweise ein Mädchen aus der „Jetzt-Zeit“ bemerkt, wie sie von einem Freund ihrer Eltern angesehen wird. Am liebsten hätte ich ihr einen Pulli übergezogen, was natürlich ein Fehler wäre, es geht ja um SEINEN Blick.

Diese Dinge passieren bis heute. Wir werden uns in unserer westlichen Bubble zumindest bewusster darüber.

Einerseits. Und andererseits haben wir festgestellt, dass sich bestimmte Sachen weiterhin loopen. Viele, die wir befragt haben, wo es in der Familie Traumata gab, wollen sich lieber von ihren Vorfahren entkoppeln, sie wollen nichts damit zu tun haben, sich lieber abgrenzen und alles anders machen, das kennen wir natürlich auch.

Es ist aber ganz oft nicht der Vorfall allein, der etwas kaputt macht, sondern der Umgang danach, das Isoliertsein mit dem Trauma. Den Zugriff darauf verliert man, weil es tabuisiert ist.

Umso schöner war es im Film, als wir gemerkt haben, dass diese Frauen über die Epochen wie in einem Kreis zusammenstehen, sie geben sich gegenseitig Schutz. Plötzlich war der Gedanke da: Ihr wärt alle viel weniger alleine, wenn ihr voneinander wissen würdet. Wir alle.

Die deutsche Filmemacherin Mascha Schilinski wurde 1984 in Berlin geboren. Ihre berufliche Laufbahn startete sie bei einer Kinder- und Jugend-Castingagentur für Film, ehe sie für Jahre auf Reisen ging und zu schreiben begann. Sie absolvierte die Drehbuch-Masterclass an der Filmschule Hamburg und machte später das Regiestudium an der Filmakademie Baden-Württemberg. Ihr preisgekrönter Kurzfilm „Die Katze“ entstand bereits im zweiten Studienjahr, ihr erster Spielfilm „Die Tochter“ wurde ebenfalls vielfach ausgezeichnet und lief auf internationalen Festivals.

Bei „In die Sonne schauen“ führte Mascha Schilinski Regie, das Drehbuch schrieb sie gemeinsam mit Louise Peter. Kinostart in Österreich war am 7. November 2025. Großartig in den Hauptrollen sind u. a. Lena Urzendowsky, Luise Heyer, Laeni Geiseler und Susanne Wuest.

Mascha Schilinski – IMDb

Kulisse Wien: Klasse statt Masse

funk tank: Du bist jetzt seit fast vier Jahren in der Kulisse die Chefin. Wie ist es dazu gekommen?

Alexa Oetzlinger: Ich war immer schon theater- und kabarettaffin. Ich habe mehrere Berufsausbildungen und bin schon sehr lange selbständig. Ich habe im Bereich Event gearbeitet, inszenierte Erlebniswelten für große Unternehmen, war im Bereich Neuromarketing für Shoppingcenter tätig, habe eine Sozialarbeiterausbildung gemacht und in einer Drogenberatungsstelle gearbeitet. 2018 habe ich eine Agentur für Kulturmanagement und Kommunikation gegründet – und dann kam 2020 Corona. Da hat man uns Agenturen am Anfang der Pandemie gesagt, dass wir nicht direkt betroffen seien. Damit haben wir keine Unterstützung bekommen. Was aber vollkommen durchgeknallt war.

Warum?

Agenturen buchen Termine ein bis zwei Jahre im Vorhinein. Ich hatte meine Agentur erst 2018 gegründet. Das heißt, die meisten der Termine, die ich da für meine Klienten und Klientinnen gebucht hatte, sind genau in die Zeit ab 2020 gefallen, wo alle Bühnen geschlossen waren. Somit haben diese Termine alle nicht stattgefunden – die Agenturen werden aber erst beim Auftritt der Künstler*innen auf Provisionsbasis bezahlt. Ich habe de facto für zwei Jahre Arbeit kaum Geld bekommen.

Während der Pandemie wollte ich aber nicht den ganzen Tag daheim sitzen und von meinen Ersparnissen leben, sondern habe mir sofort einen Job gesucht, und zwar wieder in der Sozialarbeit. Auch, weil ich wusste, dass diese Gruppe besonders rasch die Covid-Impfung bekommt. Und so habe ich in einem Langzeitarbeitslosenprojekt in Wien gearbeitet. Gleichzeitig hat mich die damalige Kulisse-Chefin Doris Ringseis, die während der Pandemie die meiste Zeit auf Kreta verbracht hat, gefragt, ob ich nicht auf ihr Haus aufpassen möchte, bis das Gröbste vorbei ist.

Und dann bist du von der Haussitterin zur Hausherrin geworden.

Genau. Weil mich das einfach gereizt hat, selbst eine Bühne zu führen. Weil eines der schönsten Dinge dabei ist, dass man gestalten kann. Und wenn ich schon so viele Stunden dort verbringe und so viel investiere, dann will ich, dass dabei auch was für die Gesellschaft herauskommt. Die Kulisse war immer schon politisch sehr weit links. Ich habe es in die Richtung weitergetrieben, dass ich viele Politikformate gemacht habe: „Geheimnisverrat im Salon Pilz“, die „Dunkelkammer“ mit Stefan Kaltenbrunner, Michael Nikbakhsh und Peter Hochegger, „Feminismus für alle“ mit Barbara Blaha. Eine meiner großen strategischen Ausrichtungen ist – ich hasse den Begriff, aber er passt halt gut – politisches Infotainment.

Hast du mehr Frauen als Männer auf der Bühne?

Das nicht, aber im Vorjahr hatte ich den höchsten Frauenanteil von allen Kabarettbühnen. Und die Kulisse war das erste Haus, wo Denice Bourbon mit dem PCCC (Wiens erstem politisch korrekten Comedy Club, Anm.) auftreten konnte. Und daraus hat sich entwickelt, dass die ganzen Leute aus dieser Szene bei mir ihre Premieren feiern und eng ans Haus gebunden sind, wie etwa der Kuseng, der heuer beim Österreichischen Kabarettpreis gewonnen hat.

Mir ist wichtig, dass marginalisierte Gruppen – und da gehören leider auch Frauen immer noch dazu – auch den ihnen gebührenden Platz haben. Ein kleines Haus wie die Kulisse hat die Verpflichtung, nicht immer nur abzuschöpfen mit den Großen und Bekannten, sondern man muss auch den Jungen die Möglichkeit geben, sich auszuprobieren und zu wachsen. Und da bin ich den Superstars dankbar, dass sie bei mir spielen, weil sie mir sozusagen querfinanzieren, dass ich mir das leisten kann.

Ein kleines Haus wie die Kulisse hat die Verpflichtung, nicht immer nur abzuschöpfen mit den Großen und Bekannten, sondern man muss auch den Jungen die Möglichkeit geben, sich auszuprobieren und zu wachsen.

Welche Bilanz ziehst du insgesamt nach fast vier Jahren als Kulisse-Chefin?

Es waren die anstrengendsten vier Jahre meines Lebens, die mich vermutlich auch einiges an Lebensjahren gekostet haben (lacht). Als ich übernommen habe, hat es geheißen, die Pandemie ist vorbei. Und was war? Schon wieder ein Lockdown. Dann kam der Ukraine-Krieg, danach die Teuerung. Wirtschaftlich waren die vergangenen Jahre die Hölle. Aber gleichzeitig waren es die lustigsten vier Jahre meines Lebens.

Ich muss jedoch zugeben: Hätte ich gewusst, was auf mich zukommt, hätte ich das Haus nicht übernommen. Es war auch sehr lange nichts renoviert worden, somit ist ein Teil nach dem anderen eingegangen. Erst voriges Jahr haben wir die Klos um viel Geld runderneuert. Immer, wenn ich glaube, jetzt haben wir’s, wird wieder irgendwas kaputt, wo seit 25 Jahren oder länger nichts gemacht wurde.

Deshalb bin ich den Künstlerinnen und Künstlern unendlich dankbar, weil sie mich unterstützen. Alfred Dorfer hat mir unzählige Vorstellungen geschenkt, damit ich Sachen renovieren kann. Josef Hader und Peter Klien haben Benefizabende gemacht. Auch Klaus Eckel ist immer zur Stelle. Viele Künstler*innen, die das Haus lieben, helfen mir, es zu neuer Blüte zu bringen. Und all diese Stars spielen bei mir nicht, weil sie so viel Geld verdienen, sondern weil sie einfach nette Menschen sind.

Gerade ein Bühnenwirtshaus wie die Kulisse ist wirtschaftlich schwierig, weil es so personalintensiv ist. Wäre es größer und jeden Abend ausgebucht, wäre alles leichter – aber dann könnte ich nicht das Konzept verfolgen, auch den Jungen und Nicht-Arrivierten eine Bühne zu bieten. Und das ist mir schon wichtig.

Was ist aus der IG Kabarett geworden, die du während der Pandemie mitgegründet hast?

Die Idee zur Interessengemeinschaft Kabarett hatte ich, weil ich der Meinung war, dass wir uns als Branche, die sehr solistisch unterwegs ist, in der Krise verbünden müssen. Ich war damals recht neu in der Branche und kannte noch nicht einmal ansatzweise alle. Da habe ich eine*n nach der/dem anderen durchgerufen und gefragt, ob sie mitmachen wollen. Die meisten haben gesagt, sie haben keine Zeit und müssen sich um sich selbst kümmern – bis ich dann Julia Sobieszek angerufen habe, und die hat gesagt: Das machen wir sofort! Wir haben uns dann beide reingehängt, wir haben täglich zigmal telefoniert, teilweise bis zwei, drei Uhr in der Nacht, unfassbar! Wir haben in 48 Stunden eine Website aus dem Boden gestampft und geschaut, was wir politisch bewegen können.

Wenn öffentliche Institutionen den Bildungsauftrag nicht mehr ernst nehmen und Kultur kein wichtiger Teil unserer österreichischen DNA mehr ist, dann geht die Schere immer mehr auseinander.

Das Ziel war eine Stärkung des Kabaretts in der Corona-Krise. Habt ihr das erreicht?

Wir haben schon einiges erreicht. Was nachhaltig wirkt, sind die Kabarettstipendien. Von denen werden immer noch jedes Jahr fünf vergeben, mit jeweils 1.500 Euro monatlich für ein Jahr dotiert vom Kulturministerium. Dass uns das gelungen ist, finde ich wirklich super. Aktuell braucht es die IG Kabarett aber zum Glück nicht mehr. Es liegt jedoch alles in der Schublade und könnte binnen Sekunden wiederbelebt werden.

Wie geht es der Branche jetzt, fünf Jahre nach dem Ausbruch der Pandemie?

Ich glaube, nicht so schlecht. Die Spielstätten sind mehr geworden durch die ganzen Sommertheater und den Wiener Kultursommer, der eigentlich nur für eine Saison gedacht war, aber heuer zum sechsten Mal stattgefunden hat. Die Besucher*innen werden halt nicht mehr, und natürlich zieht das Sommertheater vom Winterbetrieb ab. Aber es wird wieder. Auch in der Kulisse ist die Auslastung nicht so schlecht. Es ist sich bis jetzt immer irgendwie ausgegangen.

Hast du einen konkreten Wunsch an die Kulturpolitik?

Ja, und zwar einen großen: Statt Projektförderungen wäre eine Standortförderung besonders für kleine Häuser wichtig, weil das mehr Sicherheit gibt. Jetzt sperrt ein kleines Theater in Wien nach dem anderen zu: Die Gruam gibt es nicht mehr nach dem Brand, das Theater am Alsergrund hört auf, weil es sich wirtschaftlich einfach nicht mehr rentiert. In Wahrheit gibt es an kleinen Häusern in Wien dann nur noch das Niedermair und die Kulisse. Fakt ist aber, dass gerade die dringend für die ganze Branche notwendig sind, weil die wenigsten Bühnenkünstler*innen als Influencer aus dem Internet raushüpfen und auf Anhieb riesige Häuser füllen.

Wenn wir dieses Kulturgut Kabarett bewahren möchten, dann müssen wir kleine Bühnen als Brutstätte sichern. Mit einer Standortförderung müsste ich mir nicht dauernd den Kopf zerbrechen, welche neuen Projekte ich erfinden muss, um Geld zu bekommen – es gäbe eine langfristige Perspektive.

Aus dem Internet kommt ja jetzt viel Stand-up-Comedy auf die Bühne. Die hat in Österreich noch keine lange Tradition.

Ich weiß nicht warum, aber das Publikum bei uns will das irgendwie nicht so recht. Das funktioniert bei uns nicht so wie in Deutschland. Ich habe auch in der Kulisse unterschiedliche Formate ausprobiert, aber das ist wirklich schwierig.

Allerdings hat während der Pandemie ein Demokratisierungsprozess stattgefunden. Nicht mehr die Bühnenbetreiber*innen alleine entscheiden, wen sie spielen lassen, sondern wir schauen uns natürlich auch die Follower-Zahlen an, und so entscheidet das potenzielle Publikum mit. Aber da ist dann oft das Haupt-Event gar nicht so sehr das, was auf der Bühne passiert, sondern das Rundherum, dass man zum Beispiel Selfies mit der Influencerin macht.

Siehst du da auch einen Wandel im Publikum?

Ja. In meiner Jugend – ich bin fünfzig – sind wir regelmäßig aus Gmunden mit dem Bus zur Staatsoper gefahren, zum Volkstheater, wohin auch immer, haben uns Kabarett angeschaut. Auch meine Kinder, die jetzt Mitte zwanzig sind, waren im Theater der Jugend von der Schule aus, waren im Kabarett. Das fällt jetzt alles völlig flach.

Von der Schule und der Bildungsdirektion kommt gar nichts mehr – mit der Begründung, dass die Eltern kein Geld haben. Wenn öffentliche Institutionen den Bildungsauftrag nicht mehr ernst nehmen und Kultur kein wichtiger Teil unserer österreichischen DNA mehr ist, dann geht die Schere immer mehr auseinander. Die einen wachsen vom Elternhaus her mit Theater, Museen, Musik, Kabarett auf, während die anderen nie damit in Berührung kommen. Und das tut mir leid für diese Kinder, weil ihnen vieles entgeht.

Die Wiener Kulisse ist ein traditionsreiches Bühnenwirtshaus in Wien-Ottakring, das seit 1980 Kabarett, Musik und politisch engagierte Kleinkunst zeigt.

Alexa Oetzlinger ist die Leiterin der Wiener Kulisse, Kulturmanagerin und Produzentin, die das Haus seit 2022 mit Schwerpunkt auf politischem Kabarett und Nachwuchsförderung führt.

Kulisse Wien

Gerd Hermann Ortler und das Orchester der Südtirol Filarmonica

In diesem Werk geht es um das Kind in uns, das seiner Bestimmung folgt und die Entfaltung in Musik sucht – wie ein Zugvogel, der sich unerschrocken südwärts macht.

funk tank: Sie sind in Südtirol geboren und wohnen in Wien. Wie unterscheidet sich die Lebensart der beiden Orte und wo und wie empfinden Sie Heimat?

Gerd Hermann Ortler: Südtirol ist ländlich geprägt, besonders der obere Vinschgau, wo ich aufgewachsen bin: atemberaubende Landschaft, Ruhe, Genuss sowie meine Eltern und Brüder in Glurns, einem mittelalterlichen 900-Einwohner-Städtchen.

Wien dagegen ist urban, dynamisch, ein Zentrum der Kunst. Hier findet man renommierte Museen und Konzerthäuser, inspirierende Künstler*innen und Musiker*innen – auch aus der Vergangenheit: Es ist ein Ort, wo Beethoven gewohnt hat, Schubert herumspaziert ist, Mozart gezecht und Brahms ein Würstel gegessen hat. Die eklektische Vielfalt Wiens, die historischen Vorbilder und die zeitgenössischen Künstlerkollegen und Kolleginnen motivieren mich weiterzuwachsen, denn diese Mischung aus Tradition und Offenheit inspiriert mich enorm und gibt mir Raum für künstlerische Entfaltung.

Ich brauche Südtirol und Wien, den Kontrast, den Wechsel, neue Perspektiven, frische Eindrücke, um dadurch ein dreidimensionales Bild der Welt für meine Kreativität zu bekommen. Heimat? Sie ist, wo meine Musik ist. In Klang, nicht in Koordinaten.

Ihre neue Komposition „Expedition to Paradise“ feiert im Wiener Konzerthaus österreichische Premiere. Was war Ihre Inspiration dafür?

Die Initialzündung für dieses Doppelkonzert für Klarinette, Trompete und Orchester kam von Bertold Stecher. Er stammt ebenfalls aus Südtirol und ist Berliner Philharmoniker. Er hatte die Idee, dass ich ein Werk für ihn und Andrea Götsch als Solist*innen komponieren sollte. Auch Andrea ist Südtirolerin und spielt bei den Wiener Philharmonikern.

Ich habe mich gefragt: Was verbindet uns? Die Reise. Vom ersten Tag als Kind mit dem Instrument in der Hand bis zur großen Bühne. Das habe ich „Expedition to Paradise“ genannt. Aber kein Paradies mit Palmen oder pausbackigen Engeln, sondern ein Ort, den wir selbst bauen: eine Welt, in der Musik die Menschen über Grenzen hinweg verbindet und gemeinsame Erlebnisse schafft. Die Solist*innen bringen nicht nur den brillanten Klang ihrer Instrumente ein, sondern ganze Universen: Wiener Glanz, Berliner Dynamik, Südtiroler Bodenhaftung. Dabei webe ich jodelnde Walzer-Techno-Beats in die Komposition ein – wie ein Ruf aus den Bergen, der sich im Wiener Dreivierteltakt dreht und dann von Techno-Druck aufgeladen wird. Dazu lasse ich den facettenreichen Sound des Jazz sowie frische Farben der Neuen Musik einfließen und verschmelze sie zu meiner ureigenen Klangwelt.

In diesem Werk geht es um das Kind in uns, das seiner Bestimmung folgt und die Entfaltung in Musik sucht – wie ein Zugvogel, der sich unerschrocken südwärts macht.

Sie haben das Stück speziell für die Südtirol Filarmonica komponiert. Wie erleben Sie die Zusammenarbeit mit diesem Ensemble?

Die Südtirol Filarmonica ist eine Initiative von unschätzbarem Wert: Sie bringt Südtiroler Musiker*innen, die in renommierten Orchestern weltweit spielen, einmal im Jahr zusammen. Es ist ein kulturelles Fenster: Südtiroler Perspektiven aus dem Ausland fließen zurück in die Region und umgekehrt tragen wir die Essenz Südtirols als Botschafter*innen in die Welt hinaus. Die Zusammenarbeit mit diesem Orchester ist sehr erfreulich, denn wir teilen die Überzeugung, dass künstlerischer Austausch sehr wichtig ist. Wir sind am stärksten, wenn wir unsere Augen, Ohren und Herzen öffnen, das Schöne und Beeindruckende auch außerhalb unserer Grenzen wahrnehmen, davon lernen und unsere Entwicklung damit bereichern.

Gustav Mahler gilt als visionärer Komponist, irgendwo zwischen Genie und Wahnsinn. Sehen Sie Parallelen zwischen seiner kreativen Kühnheit und Ihrem eigenen Schaffen?

Ich würde mich nie direkt mit Mahler auf eine Stufe stellen – das wäre anmaßend. Seine Musik inspiriert mich und bewegt mich tief. Aber es gibt wahrscheinlich einige Parallelen: Das Ringen, sein Innerstes in Töne zu pressen, eine ganze Welt in ein Klangbild fassen zu wollen, das innere Kind herauszulassen, Geschichten zu erzählen – nicht mit Worten, sondern mit Musik.

Komponist sein ist ein sehr einsamer Beruf und man muss tief in sich hineinhorchen. Genie und Wahnsinn liegen bekanntlich nahe beieinander. Ich kann davon berichten, dass zumindest der Wahnsinn schon manchmal an meine Tür geklopft hat!

Gerd Hermann Ortler ist ein Südtiroler Komponist, Dirigent und Musiker, der für seine genreübergreifenden Werke zwischen zeitgenössischer Musik, Jazz und Improvisation bekannt ist.

Das Orchester der Südtirol Filarmonica spielt seit 2019 in wechselnder Besetzung mit international erfolgreichen Südtiroler Musiker*innen, die jährlich für gemeinsame Konzerte in ihre Heimat zurückkehren.

Gerd Hermann Ortler

Südtirol Filarmonica

Anna Buchegger „Mein Salzburgerisch wird auch in Köln verstanden“

funk tank: Der Begriff Heimat spielt bei dir eine wichtige Rolle, jetzt widmest du ihm schon das zweite Album!

Anna Buchegger: Das Thema ist für mich spannend, weil ich in meinem Masterstudium in Contemporary Arts Practice dazu geforscht habe. Der Begriff Heimat gewinnt besonders in Zeiten schneller Veränderungen und Entwicklungen an Bedeutung. In solchen Situationen wird häufig versucht, Heimat zu bewahren oder sich von anderen abzugrenzen. Heimat steht zugleich für Gemeinschaft und Abgrenzung – ein Spannungsfeld, das dazu führt, dass sich zunehmend mehr Menschen heimatlos fühlen. Und im Zuge meiner Forschungsarbeit haben mir sehr viele Menschen mit Migrationshintergrund ihre eigenen Geschichten erzählt. Da gibt es die unterschiedlichsten Zugänge.

Und dann gibt es ganz viele mit einer neuen Heimat, in der sie nicht einmal wahlberechtigt sind.

Da ist das Stadt-Land-Gefälle ein sehr wichtiges Thema. Und die Kernfamilie, die auch mit der Heimat zu tun hat: Wer darf überhaupt eine Familie gründen, wie ist das Machtgefüge innerhalb der Kernfamilie?

Der Heimatbegriff reicht ja von „Daham statt Islam“-Wahlplakaten bis zur Tracht auf der Wiener Wiesn.

Ja, Tradition und Brauchtum – das ist auch ein spezielles Thema. Da interessiert mich die Frage: Wird Tradition überhaupt hinterfragt? Und kann man sie wertschätzen und gleichzeitig weiterentwickeln und sich kritisch damit auseinandersetzen? Heimat ist etwas, das nicht einfach statisch ist, sondern einer konstanten Auseinandersetzung unterliegt. Man muss diesen Begriff immer weiterentwickeln, das ist nichts, was stagniert. Das hat mit Wertschätzung und Allgemeinwohl zu tun.

Wie ist das bei dir? Wo bist du daheim?

Naja, ich komme aus einem eher kleinen Ort mit ein paar Tausend Einwohnerinnen und Einwohnern. Und jetzt lebe ich in Wien. Von dem her habe ich sowohl das Ländliche, Kleinbürgerliche als auch das Kosmopolitische in mir. Ich bin Abtenauerin, Salzburgerin, jetzt auch Wienerin, Österreicherin, Europäerin, Weltbürgerin, ...

Zum Thema Heimat passt auch die Frage, in welcher Sprache man singt: ob im eigenen Dialekt, auf Hochdeutsch oder doch auf Englisch.

Das hat natürlich auch immer etwas mit Sprachbarrieren zu tun. Und für viele hat das auch mit Heimat zu tun, wie man miteinander kommuniziert.

Mir kommt auch vor, dass es im Dialekt insgesamt nicht so viele Worte über Gefühle oder Emotionszustände gibt – aber dafür irrsinnig viele über landwirtschaftliche Gerätschaften. Vielleicht redet man ja nicht so gern über Gefühle und lieber über die Arbeit.

Du singst im Salzburger Dialekt. Warum?

Ich mag vor allem diese weichen Vokale, das hat an sich schon was Sängerisches. Jede Dialektvarietät hat ein bisschen andere Vokale, das finde ich sehr schön. Das sollte man auch weitergeben. Die Kunst kann das gut. Sprache ist ja vor allem dafür da, dass man sich austauscht und einander versteht. Aber in der Kunst kann man auch die Sprache weitergeben, die man vielleicht nicht so gut versteht, wo man vielleicht zweimal hinhören muss. Es geht auch viel verloren, wenn man Dialekt ins Hochdeutsche übersetzt.

Umgekehrt habe ich einst – ich glaube, es war in Felix Mitterers „In der Löwengrube“ – den Satz gehört, dass man im Dialekt eigentlich nur schwer „Ich liebe dich“ sagen kann.

Ja, das geht nicht, das ist nicht dasselbe. Mir kommt auch vor, dass es im Dialekt insgesamt nicht so viele Worte über Gefühle oder Emotionszustände gibt – aber dafür irrsinnig viele über landwirtschaftliche Gerätschaften. Vielleicht redet man ja nicht so gern über Gefühle und lieber über die Arbeit.

Im Dialekt zu singen, schränkt auch den Aktionsradius ein, oder? Also in Deutschland ist es schwieriger, denke ich.

Ich habe ein Konzert in Köln gespielt, da haben schon einige nachher gesagt, dass sie meine Texte verstanden haben.

Wer ist deine Zielgruppe?

Jetzt hab ich das schon ein bissl beobachtet bei meinen Konzerten. Meine Musik wird nicht extrem viel gestreamt, und ich habe sicher bisher mehr Menschen live erreicht als digital. Und auf den Live-Konzerten ist mir schon aufgefallen, dass es ein sehr breites Publikum in verschiedenen Altersgruppen ist, in dem auch sehr viele queer sind. In Salzburg waren es viele schwule Männer, in Graz viele lesbische Frauen, und es waren auch trans* Personen dabei. Viele haben gesagt, sie finden es schön, dass ich Heimat thematisiere und sie sich darin auch wiederfinden, weil es nicht ausgrenzend ist.

War das eine Intention von dir, so verbindend zu wirken?

Nein. Ich wollte es hauptsächlich für mich aufarbeiten. Aber ich finde es natürlich sehr schön, wenn sich die queere Community damit identifizieren kann. Vielleicht ist das auch noch ein Erbe meines „Starmania“-Siegs 2021. Ich teile auch einen Freundeskreis mit Tom Neuwirth alias Conchita Wurst, den es auch voll gecatcht hat. Er hat Skizzen von Trachten gemacht und versucht, im Dialekt zu schreiben. Das finde ich cool.

Wie schützt du deine Privatsphäre als Künstlerin, die im Rampenlicht steht und damit in der Öffentlichkeit sichtbar ist?

Ich glaube, ein wichtiger Faktor ist die Kunstfigur, die ich für mich geschaffen habe. Heißt: Sobald ich mein Bühnen-Outfit anhabe, ist klar: Hier kommt nicht die private Anna, sondern ihr Alter Ego.

Da fragt man sich natürlich als Außenstehender: Wo ist die Grenze? Wie viel private Anna steckt in der Kunstfigur?

Ich finde es eigentlich voll spannend, wenn man das nicht so genau weiß. Ich würde aber sagen, das bin alles ich, nur viel verstärkter, viel überzogener. Und mit dem Kostüm kann man das plakativ umsetzen. Sobald ich da hineinschlüpfe, habe ich das Gefühl, ich kann mich ein bisschen abgrenzen, und es ist auch nicht alles gleich so persönlich. Es geht ja schon immer um sehr persönliche Themen, die auch gesellschaftskritisch sind. Aber es hat einfach ein bisschen einen Schutzmechanismus, was ich ganz fein finde. Aber grundsätzlich ist es schon schwierig, die Privatsphäre zu wahren, weil jetzt schon so viele Details öffentlich sind – da kann ich nicht mehr zurückrudern. Aber ich finde, Haltung einzunehmen und für gewisse Werte einzustehen, ist einfacher, wenn man so einen gewissen Schutz hat. Aber vielleicht bilde ich mir den auch nur ein.

Wie sehr musst du trotz allem aufpassen, was du sagst? Wie weit lehnst du dich auch einmal aus dem Fenster?

Ich würde schon sagen, dass ich sehr impulsiv bin. Aber da geht es um Themen, mit denen ich mich auseinandergesetzt habe oder sogar eine wissenschaftliche geschrieben habe, wo ich eine Expertise habe. Und bei anderen Themen, wo ich die nicht habe, traue ich mich zu sagen: Das weiß ich nicht, da kann ich nichts dazu sagen. Ich glaube, das ist sehr wichtig.

Man muss nicht immer zu allem etwas sagen. Aber es kann natürlich immer passieren, dass man etwas sagt, das andere in den falschen Hals bekommen. Ich erinnere mich, dass ich in „Starmania“ auf die Frage, warum ich so gut singen kann, gesagt habe: „Ich hab einfach viel geübt“ – und dann hab ich unbedacht die Redewendung „bis zur Vergasung“ benutzt. Moderatorin Arabella Kiesbauer hat schnell reagiert und gesagt: „Da müssen wir sehr vorsichtig sein.“ Da ist es mir auch selber bewusst geworden. Ich wollte dann nachher online ein Statement dazu abgeben, dass es natürlich keine Absicht war und ich sicher keine Antisemitin bin, aber der ORF wollte das nicht. Ich hab das aber feig gefunden und in der nächsten Show selbst Stellung bezogen – und da hat es dann auf Twitter Leute gegeben, die mit Boykott-Aufrufen reagiert haben. Und andere haben mir tatsächlich Briefe geschrieben, in denen sie erklärt haben, dass es ja eigentlich kein originärer NS-Begriff ist.

Das ist die typische österreichische Reaktion: Die einen buhen dich aus, die anderen feiern dich.

Das Spannende war, wer mich da gecancelt hat. Das waren nämlich keine Linkslinken, sondern eher so Leute mit Pferdebildern, von denen ich das nicht erwartet hätte. Daran hat mich der Skandal um den Song Contest-Gewinner JJ und seine Aussage über Israel und Russland erinnert. Es kann so schnell gehen, dass du plötzlich unten durch bist. Ich habe mich damals sehr geschämt und sogar jüdische Freundinnen und Freunde gefragt, wie sie das denn empfinden. Die haben mich dann wieder beruhigt.

Es zeugt ja auch von Charakterstärke, wenn man Verantwortung übernimmt.

Und man darf nie vergessen, dass politische Korrektheit ein Prozess ist. Es gibt Begriffe, die man immer wieder neu bewerten muss.

Heuer feiert der Film „Sound of Music“ sein 60-jähriges Jubiläum. Ich habe mit diesem Titel lange Falco und nicht die Familie Trapp assoziiert. Du widmest auf deinem neuen Album Maria Trapp einen eigenen Song. Wie hältst du es insgesamt mit diesen Klischees und Stereotypen, die der Film transportiert?

Was mich vor allem an Maria Trapp fasziniert, ist, dass sie nicht wirklich eine Stereotype reproduziert. Im Film und auch im Musical wird sie – ich glaube, durchaus authentisch – als eher crazy dargestellt, als eine Frau, die nicht unbedingt so agiert, wie man es von ihr erwartet. Und sie hat sich relativ früh gegen die Nationalsozialisten aufgelehnt. Das ist auch etwas, was ich am Film schätze: Es ist einerseits Heimatidylle, aber andererseits wird der Nationalsozialismus thematisiert. Das ist eigentlich sehr untypisch fürs Heimatfilm-Genre.

Ich nehme an, eine der nervigsten Fragen ist, ob du von der Musik leben kannst?

Mit dieser Frage bin ich praktisch aufgewachsen. Das werde ich bei jedem Familientreffen gefragt. Manchmal lüge ich dann auch.

Und was ist deine Vision für dich selbst?

Ich denke auf jeden Fall langfristig. Was mich inhaltlich beschäftigt, ist diese unvermeidliche Verbindung von Kunst und Politik, weil die Kunst ja immer gesellschaftliche Veränderungen, Entwicklungen widerspiegelt und für viele ein Medium ist, um individuellen Befindlichkeiten Ausdruck zu verschaffen. Ich denke, es dürfte klar sein, wo ich politisch stehe – ohne mich von einer Partei vereinnahmen zu lassen.

Ich wünsche mir ein solidarisches Miteinander, in dem man einander gegenseitig mehr zuhört und keine Scheu vor Meinungsverschiedenheiten und möglichen Konfrontationen hat.

Ich möchte die Kunst- und Kulturlandschaft mitgestalten und ein Sprachrohr für andere Kunstschaffende sein, weil ich fest davon überzeugt bin, dass dieser Bereich eine enorme gesellschaftliche Relevanz hat. Deshalb brauchen wir Solidarität in der Branche. Die Musikwirtschaft schafft ja irrsinnig viele Jobs, die an so einem Konzert dranhängen und von der Wertschöpfung profitieren, von der Tontechnik bis zum Hotel, in dem das Publikum übernachtet. Ich selbst spiele sehr gerne Konzerte, und nachher mit ein paar Menschen zu plaudern, das macht mir eigentlich mehr Spaß, als lange im Studio herumzutüfteln, was wir für eine Sound-Ästhetik entwickeln sollen.

Ich finde auch die Rahmendetails voll spannend: Wie kann man eine eigene Welt schaffen, wie schaut ein Video aus, was vermittelt ein Video, hat es ein Drehbuch oder ist es nur Ambiente, hat es ein Gefühl – ich finde es geil, wenn man eine eigene Designwelt drumherum bauen kann.

Anna Buchegger ist Musikerin, Dialekt-Liebhaberin und kritische Beobachterin ihrer Heimat. Vier Jahre nach ihrem Starmania-Sieg zeigt sie mit ihrem zweiten Album „Soiz“ (VÖ: 3. Oktober 2025), wie man Tradition, Haltung und Popmusik glaubwürdig vereint. Live zu erleben ist sie u. a. bei der Album-Präsentation am 17. Oktober 2025 im WUK Wien sowie am 20. Februar 2026 im Freiraum St. Pölten und am 4. April 2026 im Grazer Orpheum.

Anna Buchegger